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拍摄
  • 爆款旅拍的三个特点,我们帮你整理好了

    《小王子》里说:仪式感就是使某一天与其他日子不同,使某一个时刻与其他时刻不同。仪式感是恋人确定关系时的告白,是夫妻临睡前的互道晚安,是朋友间准时的生日祝福,是父母不厌其烦的叮咛......这些小确幸的背后都藏着美好的期冀和爱的表达,足以抵抗庸庸碌碌的一生。世界那么大,我想去看看。也有越来越多的情侣、夫妻或闺蜜选择共同旅行,陌生的环境会让自己和身边的人更加相互依赖和亲近,山海见证彼此的情感,而镜头的记录让这一切变得更加有存在感和仪式感。在这样的背景下,近年来旅拍愈发受到大家的欢迎。根据调查数据显示,2018年仅婚礼行业的旅拍产值已达220亿,比上年更是增长了30%,这个数值还在不停地上升。正因市场的火热和高利润,想加入其中的从业者也越来越多。不过因为缺乏对旅拍的系统认知,他们的作品质量往往参差不齐。一个好的旅拍作品往往兼顾了前期筹备、中期拍摄和后期处理三个环节,在这些环节中,场景元素的发现、文案的搭配、调色的选择都发挥了重要的作用。02合适的拍摄元素一般情况下,和客户交流后,一个合格的旅拍师会对故事的内容有感性的认知,并产生各种灵感。之后,他们会去了解拍摄地的气候、文化、民俗等,制定实际的拍摄计划。对拍摄地有简单的了解后,要筛选拍摄的场景,最重要的就是根据不同的场景展现不同的元素,让作品展现不同的情绪。优质的旅拍作品一般都平衡了真实的环境与创作的意境。比如休闲的家居服搭配午后的暖阳,清新的穿着搭配郊外的草坪,浪漫的仙女棒搭配静谧的夜晚,还有湖边荡漾的水波,落日的余晖……这些都能让人物更好地融入场景之中,带来更强的感染力。此外,还可以设计不同的景别让画面更加的丰富,比如用全景表现整个大环境,用特写表达人物现有的情绪。不同的景别选择和组合都需要创作者对镜头的把控力,唯有如此,后期才能通过剪辑的节奏将观众带入故事中。

  • 静物拍摄中要注意的5个点,布光和位置摆放都需重点关注

    摄影中大家都会选取各种不同的题材,其中飞奔的运动选手、流动的河流,还是巍峨不动的崇山峻岭这都是大家喜欢的拍摄素材,其实说来说去就是动态和静物的摄影。静物包括了不动的风景,不动的死物,比如玩具、建筑、办公用品等等,它的范围是非常广的,所以我们拍摄不能一概而论,需要分类别来拍摄,因此这节内容我们就聊聊静物常用的一些技巧,我总结了5点出来,如果大家还有更多的小技巧,也欢迎在评论区告诉我哦!下面开始讲解。一:展现静物的形式美其实我认为在静物摄影既可以在信手拈来之间诞生精彩,也可以在灯光附件齐备的影棚中进行严肃的创作。其实生活中的常见物品都可以成为静物摄影的拍摄题材,只要我们能够从它们自身的形状及颜色特点,在画面中做好布局进行敏锐地拍摄,这样就能拍出不俗的摄影照片。其实不管在什么场合,我们对于静物的摆放都有自身特殊的形式美,规律地码放好静物能够带来对称的感觉,而零乱的自由摆放又蕴含着一种自由洒脱。最重要的就是我们要有一双善于发现的眼睛,这些都是静物的形式美,至于怎么展示,那就需要了解静物的特征,然后再进行构思拍摄了。二:控制静物的景深我们都知道,在进行静物拍摄的时候,如果被摄主体在画面中很单一,那这样就很容易凸显出我们要表达的主题,并且能够将主体的细节完美呈现出来,此时我们最需要注意的就是景深问题了。第一个为了表现被摄主体的空间纵深感,我们可以采取对它的某一侧面进行拍摄,前提是光线的方向是从正面打过来的,这样才能侧面出现阴影,从而保障了空间感的形成基础。第二个就是我们进行静物拍摄时,如果让镜头跟静物的距离过近,这就导致景深变浅,画面中的明暗对比也会变得不够明显,使画面变得很“素”,当出现这样的情况,而我们又不能张开距离,那就可以通过放大照片细节来掌控画面的景深。三:静物的摆放有规律其实我们在进行静物拍摄的时候,大家一定要注意静物的摆放方式,可以说恰到好处组合那是最好的,但我们不必强求,只需要保证合适的摆放,才能拍出想要的理想效果,就让我给大家说说静物摆放的几种方式。第一种就是摆放就是造型的对比。即同类的被摄主体,经过我们的摆布也往往能产生形状和功能的变化,再通过合理地利用这种变化对它们进行组合搭配,可以在画面中产生造型和功能上的对比,这样从而使被摄主体的特性得到凸显,并且还引起了观赏者视觉上的冲击力。第二种就是表现局部。通常我们在进行静物整体的拍摄时,都会采用开放式构图,这样在一定程度对被摄主体的某一部分得到了凸显,毕竟,追求细节是我们进行静物摄影的重要属性,而表现局部的组合搭配方式正好迎合了这种需求。四:静物的布光方式拍摄静物之前要对其进行布光,这样才能保证拍摄时的光线是正常的,下面就来介绍几种布光的方式。第一种便是很常规的布光方式。我们在进行静物产品摄影创作都是选择在影棚中,这为我们拍摄提供了便捷,大家在拍摄时会将被摄主体于镜头前,然后再在左右两侧各设一盏安装了柔光箱的影室灯,这样就可以营造对称的光线效果,同时在数码相机的闪光灯热靴上添加引闪装置。就我所知,这种对称的布光方式是最常见、适用范围最广的布光方式,它对反光率一般、材质普通的拍摄对象最为适用。当被摄主体的表现形式不同,那么布光方式也要随之发生改变,一般我都是在被摄主体左右的上方进行投射光线。第二种则是侧光的布光。物体的属性千差万别,对静物摄影来说,最重要的不同来自物体的反光率和表面质感。当我们拍摄表面粗糙、质感强烈的物体,如麻布、核桃、树皮时,往往就要采用侧光的布光方式。因为采取这样的侧光拍摄,可以让画面产生强烈的明暗对比效果,使被摄主体显得更有质感,从而突出被摄对象的特性。在使用侧光的布光方式时通常会去除闪光灯上的柔光箱,使软光变为硬光。但是为了避免被摄主体由于明暗分界太过鲜明,我们可以在相对闪光灯的一侧添加一块大面积的反光板,通过反光来减少画面的反差,营造和谐的光线效果,让观赏者感觉没有那么突兀。第三种则是营造拍摄静物的背景光。除了针对拍摄物体的布光方式以外,我为了开拓大家的思路,我就来介绍这种旨在营造画面背景效果的布光方式。我们在影棚中开展的静物摄影为了获得纯净统一的画面背景效果,通常会在被摄主体的后方设置一块面积较大的幕布。虽然幕布的颜色各不相同,但无论使用哪种颜色,单色的背景会给大家带来显得单调乏味。为此,我们可以在幕布后再安放一支接驳了标准罩的闪光灯,用它的闪光在拍摄时从后方照亮幕布,产生一个渐变的圆形光亮区域,这个区域的颜色和幕布的颜色相一致。这种布光方式可以产生精致、神秘的画面效果,同时也使观赏者的视线更加集中在画面的中心。五:勾勒透明物体黑边在静物中有像玻璃这一类的,他们能够反射光线和吸收光线,而且拍摄不易掌握,不少人觉得透明玻璃器皿的拍摄是静物摄影中的难点,咱们就以拍摄玻璃这种透明的物体来讲解。由于玻璃属于高反光物体,使用常规方法拍摄,这就导致物体表面极易产生一个个高光泛光点,同时其围的细节也丧失殆尽。其实大家也不用担心,其实只要将一盏装配有柔光箱的闪光灯置于被摄主体的后方,在拍摄时闪光灯会将绝大部分面积的玻璃打透,并在它的边缘勾勒出一条黑线。我认为这种非常规的布光方式简单易行、效果完美,只是大家需要注意的就是镜头的抗眩光能力。小结静物的拍摄其实不难,难就难在要对进行布光,还有就是对其的位置摆放都会影响拍摄效果,像其他的构图、拍摄技巧和其他事物拍摄并没有太大的区别。一般来讲,很多的静物拍摄大多都是广告用品,而且我给各位说的布光方式可以在拍摄小件透明的物体时发挥作用,大家在拍摄的时候作为重点注意的点。

  • 如何拍摄高反光的皮质静物?

    欢迎来到新片场学院线下实训小课堂第七期。众所周知,皮质物体表面的反光率比较高,如果不能合理打光,会出现较多的杂光,影响画面的美观。本期小课堂我们就以一个复古的女士皮包为例,给大家分享面对类似的物体应该怎么拍摄,以及如何通过美术造型的方法构造一个让人眼前一亮的画面。小课堂视频需要用到的设备和道具2盏爱图仕300d,2块CTO,2块墨绿色和酒红色的光面背景布,蜡烛、木板、书本等小道具。布景本次拍摄的女包,表皮部分由深棕色和深褐色构成,蟒纹的造型给人以比较复古的感觉。为了在拍摄中更好地突出复古,并且和皮包本身形成一个搭配,可以选择两块墨绿色以及酒红色的光面背景布。因为皮包本身的色彩比较深,而这两个颜色的亮度及明度比较低。Tips:明度是指色彩的明亮程度,黄色明度最高,蓝紫色明度最低,红、绿色为中间明度。另外很重要的是,红色和绿色是一个对比色,红色和棕色同属于暖色系,这样可以提升画面的整体感,从而形成一个比较复古的空间。打光经过简单地布置之后,场景已经初具雏形。接着,我们要试着去给整个场景重新打光。初步布置完成的场景首先,在拍摄主体的正侧面用一盏300d打上光。为了增强复古感,需要给场景添加一个整体的暖色调,方法是在灯光前加上二分之一的CTO。Tips:CTO(Color Temperature Orange)是一般拍摄中比较常见的矫色纸之一,顾名思义可以矫正偏冷的光源。左图没加CTO,右图加了CTO同理,在距离拍摄主体稍近的左侧位置再添加一盏灯,也加上CTO。拍摄全景光位图完成上述打光后,我们可以看到拍摄主体的的左侧面高光比较严重,有点过曝。手指之处即为过曝区域针对这个问题,可以在高光的路径上放置一些遮挡物来弱化高光,比如不透明或半透明的介质,像树叶、黑色卡纸、柔光片以及硫酸纸都可以起到一定的作用。此外,还可以在拍摄主体周围放置一些蜡烛。这样做的好处是在打开主光后,可以起到一个辅光或者侧逆光的作用,给皮包提供一个很好的轮廓感。皮包的轮廓感至此,光线部分的工作就基本完成了。为了让整个环境更加丰富和饱满,我们可以借用书籍以及烟雾等道具。还可以把刚刚的蜡烛用木板垫出高低不平的感觉。最后进行合理的剪辑,一个复古皮包的拍摄就完成啦!成品截图看完文章还有很多疑问?光听一个知识点不过瘾?想学习更多拍摄静物的小技巧?那就来我们的线下实训《电商短视频广告实用课》吧!在这里,你可以用六天时间学到不同的布光方式、打灯技巧和色彩运用,可以体验产品单品拍摄、棚内达人拍摄、实景棚拍摄,可以用最低的成本、最少的人力收获最高品质的视觉影像。电商课现场照片12月10日广州站,我们不见不散!10.1电商课花絮扫码咨询一起加入我们12月10日(广州站)火热报名中●干货丨如何处理同机位日&夜景的光效变化(上)●干货丨如何处理同机位日&夜景的光效变化(下)●干货丨如何高帧率拍摄流动液体?

  • 摄影师如何利用烛光布光?

    众所周知,在普通的夜戏场景拍摄中,灯光设计应该遵循现实逻辑(当然除了超现实主义题材)。在拍摄夜戏的时候在布光方面摄影师需要留意哪些问题呢?1. 窗户的光线效果窗户的光线效果是需要重点考虑的。如果在画面中出现了窗户,需要用较强的背景光将其打亮(这些背景光需要比人物面部的主光亮2挡)。由于窗户是主要的逻辑光源,所以大部分光线以它为参照设计。除了用背景光打亮窗户,也可以在窗户对面的墙壁上制造一定的阴影来营造出窗外光线的感觉。2.灯泡场景中带有灯泡的道具(如台灯),其光亮应该比人物的面光强2—4挡。调光器可以有效地掌控场面的光线。若将场景中的道具换上大功率灯泡,便可以充当主光源,参与到光线造型当中。用照片放大机灯泡来替代日常家用灯泡,因为其色温更接近于3200K。靠近摄影机这边的灯罩需要调暗2~3挡,这样做是为了将人物面部和灯罩的光效区分开。摄影师可以在灯泡和灯罩之间放一小块麻布,或在灯罩内部贴上中性密度胶带。当然还有许多其他的方法可以让灯罩靠近摄影机的一面比较暗,同时也能让其发出的光线打亮人物面部。在拍摄场景中,若有电子烛台道具,可以在其发光中心贴一小块纸片,以此来降低白炽灯的亮度。若有必要降低整个灯泡的亮度,也可以在灯泡上喷洒一些Streaks’s N Tips(一种棕色或黑色的毛发喷雾)。喷雾的量要以能见到灯泡发光为准。该喷雾便于水洗。所以在实际拍摄中常用到。闪光灯也是片场常用的光线之一,MR-16型高亮灯泡可以用来充当闪光灯使用。现在剧组也使用功率更高的疝气灯(如suiefire公司的部分灯具,其使用锂离子电源供电)。由于闪光灯的光线会在场景之间来回反射,因此闪光灯的光线能照到白色反光平面上,便能更好地发挥其效果。场景中的道具灯需要一定的辅助光源,这样才能保证其产生一定的光源造型效果。例如,我们通常会在灯笼里安装一个灯泡,让其作为场景中的软光源。案例——利用烛光布光注:烛光灯本身十分微弱,因此在实际拍摄中需要加上一些额外的光源。当演员面对蜡烛或其他比较微弱的光源时,有些摄影师便会使用辅助光,以便让蜡烛看上去更明亮。如果场景中有100支蜡烛,那么烛光会比较强烈,比较之下蜡烛的非火焰部分便会较为暗淡;若场景中只有25支蜡烛,那么烛身相较而言便比较明亮。另外,将燃烧的蜡烛置于深色背景的场景中,有助于增加其明暗的对比。下图中,场景中的主光源方向必须和烛光一致,为了营造真实感,该场景中只用了极少量的灯光。桌上的烛光可以通过顶光来模拟。两盏650W的菲涅耳灯作为该场景的主要光源。该布光之所以被称为“背交叉”,是因为主光源在演员身后照到彼此的面部。两盏灯光之间需要呈现一定的角度,这样才能避免蜡烛的阴影透射到演员身上。通常两盏主光灯需设置成相同的亮度,因为在观众看来蜡烛是整个场景的唯一光源,故蜡烛的阴影应该被完全消除。因此,每盏灯的遮扉都要适当调整,以便于消除蜡烛的阴影。演员与背景之间的层次是我们需要注意的另一个问题若能利用灯光区分开演员和背景,并呈现一些墙壁的细节,便会让整个场景显得很无趣,我们可以通过人工模拟透过窗户的月光来制作背景光。在菲涅尔灯前放置一个人造窗户便能制造出该效果。当然,也可以用真正的窗户或百叶窗来制作该光效。如果你拍摄的彩色片,便要注意蜡烛发出略显黄色的光是整个场景的主要光源,而透射在墙壁的月光则应略显苍白。上面的布光方法只是诸多布光方案的一种,不同的摄影师会根据自己的独特方式选择布光方法。但是,无论采用怎样的方法,灯光设置中最为核心的是让场景看上去合乎逻辑,每一盏灯都要有各自的目的。如果某些光效是非逻辑光源,但又必不可少(如上一个场景中的背景光),一般我们便会将其处理的十分微弱。总而言之,每一盏灯的使用都要合情合理。在烛光为主的布光场景中演员如果需要走位,便会增加布光难度。在这种情况下,演员需要用手持设备补光。可以使用安装有调光器的移动光源来模拟烛光的闪烁效果。若场景中的烛光或灯笼较大,此时道具师应该在灯笼或蜡烛后面加装一个小灯泡(电池供电或隐藏电线),或者使用有两个灯芯的特制蜡烛。烛光场景中如何获得足够的画面曝光度?影片《乱世儿女》中有很多真实地烛光场景,在该片中使用了一些三芯蜡烛,这样每支蜡烛发出的光亮便是传统蜡烛的3倍。如何模拟更大的火焰光源?如果要模拟更大的火焰光源,如壁炉,则需要将闪光特效透射到被摄物体上。可以在灯前面加一个有流苏的旗子,也可以通过反射贴有揉皱橘色锡纸旋转鼓面的闪光来获得类似效果。另一种方法是用一对橘颜色的灯共同找到一个散光灯罩中,让其随机混合成一束光线。你可以在这束混合光线前挥舞一些东西,哪怕是晃动手臂也行。这样便能形成壁炉火焰效果。另外,直接使用真实地火焰也是可行的,只是在该情况下,要特别留心火焰燃烧引起的烟雾。当演员在灯光前移动时,摄影师需要密切关注光效的变化。如果希望整个场景中保持固定的光照效果,可以分割纱罩安置在灯具前。这样演员在靠近主光灯时便不会觉得光效会突然增强。在拍摄过程中会出现一些不必要的阴影,演员、道具和话筒的阴影是最为常见的,由于浅色的墙壁更容易体现出阴影,所以演员一般都会与其保持一定的距离。地面上的阴影不太明显,一名演员有两个影子是可以接受的,但是影子太多便会削弱画面的现实感,因此需要提前设计好灯光,避免影子的干扰。例如调整珠光灯的角度和位置,既做到不改变演员的灯光效果,也能够消除话筒的阴影。

  • 如何制造电影感 ?「 Being Cinematic 」摄影篇之透视

    今天起早,所以想谈谈lensing(中文是⋯⋯透视?)。当然大多数人觉得镜头选择没什么好深究的,你要拍一个wide shot(远景)你就拿一个广角头,generally 35mm or less on a FF35 camera(通常在FF35相机上用35mm或者更低的镜头),如果景别紧一点的,那就用长焦,FF35相机上通常是70-135mm焦段的镜头。但 是,我总觉得在选择焦段上总还有点别的神马的。曾经问过一个老摄影师,为什么选25mm不是21mm,然后他给我的回答是“well, it depends on long years of experiences”(多年的经验所得,答了等于没答)对新手来说,以上的选择已经是很明显了。那么从下面的外景开始来看一下lensing还可以有哪些不同—--首先选择你的地平线:对于户外的拍摄,最先出现的第一个问题可能就是哪里放置你的地平线。是的,地平线就是在画面中天空和大地交接的地方。通常地平线的放置十分讲究,总体来说有三个地方可以放置地平线。On the lower third line - 下方三分之一处2. Center of the frame - 对半中间3. Upper third line - 上方三分之一处So,怎么选择?像第一种下方三分一的地方比较适合介绍环境或者大气的镜头,如果你想表现广阔的天空大地下方三分一能美丽地传达史诗级的壮阔。中间对分的情况经常用于相对平衡的构图,总是能在“有电影感”和“讲故事”之间给观众一种平衡。如果把地平线放在了上方三分一的地方,那么经常就是在强调前景里面发生的事情。例如两个人物在躲子弹或者打架之类之类。如果一定要把念台词和对话的分量也加上的话,那么还会牵涉到lens height(镜头高度)。拍摄的时候试图把你的地平线摆放进去,这样会创造出一个场景的电影感。如果你要表现你的英雄夕阳下逝去的青春,那么你的地平线就会在一个比较 低的位置。如果你拍的是车水马龙的街道,那么你的地平线比较可能会在中间。如果你拍的是醉汉被扔出酒吧开始抽西瓜刀砍人,那么你的地平线应该是在画面的上 方。选择镜头的高度:拍电影的时候除了恶心的收音,烂俗的灯光之外还屎b的被搞砸的情况,那镜头高度一定是其中没有之一:相机究竟该放在哪个高度?林林总总的高度皆在讨论范围, 包括脚架的高度,手持的高度还有dolly的高度(不包括doggie cam和摇臂的高度)。这些以后我会放在相机运动里面说。 在叙事电影的拍摄中,相机通常有四种高度可以摆放:1. Knee height(膝盖高)2. Waist height (腰高)3. Chest/Shoulder height (胸/肩膀高)4. Eye height (眼高)区分这些高度的要求,非常,严格。我们去看一部电影的时候,我们想看到我们的人物是比较高大上地跟我们讲一个故事。让人物显得高大一点有助于让观众摆脱掉现实生活,而进入一个他们相信的电影设定的世界。正常的镜头高度是胸部高度,因为如果你想拍人物的时候想把眼睛 放在三分点的话你会发现胸部高度能很容易实现。Guess what(你猜!),太多的行业边缘者(貌似很多人躺枪了)喜欢斜上45度的自拍角度,这个小小的tilt down(中文叫啥来着,放低?)不会把你的演员拍瘦,不会把你的演员拍美,不会让你的电影看起来专业,OMG(喔天啊)破坏了整个观影体验。如果拍特写摄的时候略微低角度(比胸高再低一点点),然后我们会有个轻微的仰角,那么你的演员真的就从整个荧幕上蹦出来了,观众会觉得找个庞然大物的演员好高大上,所以他们表演的角色也很高大上,说的话也很高大上。中景的时候通常都会用到腰部高度,还有群演比较多的时候也会用到这个高度。这样很容易把重要的东西放到画面的三分线上,这也是dolly的正常高度。(因为楼主个子不高,这也是我个人比较喜欢的高度)最后是膝盖高度。通常在比较广一点的景别的时候用,这样地平线可以放低很多,因为相机总是上仰的样子。这样做有一种“胁迫感(menace)”,让观众觉 得像是个小朋友打大怪兽的感觉,这样的镜头不能太长,因为观众觉得不舒服。不过仔细回想一下你看过的电影,是不是那些大反派都是这么登场的。最后关于镜头的高度和角度,我可以举一百个例子让你的相机微微仰着拍,也可以举一百个例子让你的相机完全处于水平状态。但是我只能举出几个例子你的相机得略 微朝下(tilt down),一个是high angle(特意的高角度)和POV(主观视角)。其它之外,把你的相机架低一点不要tilt down(摁低),你会惊奇原来制造电影感是那么tricky(狡诈)也那么简单。Shooting clean(拍原片) vs. filtering(用滤镜)这里我只能浅薄地讲一下自己的见解。我个人倾向于视情况而定。原 片的意思就是只用ND(灰度镜片)或者偏振镜。很多人拍的时候并不是十分清楚后期到底要处理成什么效果,所以拍摄的时候要给后期留空间,包括留空间可以后 期裁剪,还有相机前面除了镜头之外的镜片越少越好。如果你要用滤镜,确定你知道为什么要用它和它的作用,如果连80A和85B是什么都不知道那么我劝你还 是放弃吧。如果你十分清楚你要的影像效果,那么有些滤镜会有很好玩的效果。我不是十分建议用颜色 filter(滤镜),在大达芬奇横行的今天,连皮都可以磨磨没什么是后期不可能的。但是有些滤镜的特殊效果例如soft filter, pro-mist filter, glimmer glass, streak filter, 天芬的digital diffusion和施耐德digicon效果都很不错。关于net,black net,fogal,dior net等等等等……有一种很年代久远的感觉,某些特殊场景可以一玩:)New glass(新的镜片) vs. old glass(旧的镜片)年份比较新的镜头成像比较锐利,颜色饱满,对比也比较明显。比较旧的玻璃成像没有那么饱和,对比也没有那么高。不同的牌子和镜头因为造的年份和石英品质不不 同会有各种各样的成像,例如有些对的焦没有那么实,有些比较泛红有些会泛绿,有些的锐度高,这些选择都因人而异。选你喜欢的。

  • 摄影技巧:布光、选背景,静物摄影的4个注意事项

    摄影技巧:好看的静物图片,需要用心的布景,有时还可能需要布光,今天,就来给大家说说静物摄影有哪些小技巧。在哪里拍?最简单的就是在家里选个位置,比如靠近窗户的桌子上,或者窗户边、阳台上都可以。拍摄静物图片有一个特点,就是变化比较少,需要摄影师想创意。主题怎么选?拍摄什么样的主题,完全取决于摄影师,刚开始可以拍拍水果、拍拍花,然后再选择一些有创意的。划重点:新手不要尝试草、金属类这些带有反射性的对象,因为很难控制光线。如果真的要拍摄反光物体,可以使用反射定律。简单来说,就是不要让相机的机位与光源在同一个角度。诀窍是:使用比较大型的光源,并且把它放置在与相机机位相对的位置。拍摄反光物体时的布景通过白色板的反射,闪光灯所发出的光线形成了一个更大的光源,能够让被拍摄物体形成一个明暗过度均匀的效果。光线怎么用?布光时,最好是多尝试一些位置,挑选选择最佳的。侧面、后面投射过来的光线更加能增添趣味感、以及画面的纵深感。当然,如果有很好的自然光,那更好。背景怎么选?一张好看的静物图片,一定离不开合适的背景。简单、漂亮是首要条件。素色的纸张、墙壁都可以。如果是一些小的物体,可能不需要背景,只需要一个衬底,黑色的天鹅绒就是不错的选择,它能够吸收光线。关于静物摄影,bobo也给大家整理了一些大师们的作品,一起来欣赏。静物图片欣赏关于静物的相关摄影技巧,今天的内容就给大家介绍到这里,希望可以对大家的摄影提升有帮助。

  • 中国影史票房榜前10!这部影片航拍都有哪些特色?

    由陈凯歌担任总导演、黄建新担任总监制的国庆献礼影片《我和我的祖国》于9月30日全国上映,10月1日北美、欧洲、非洲、澳洲同步上映。这部电影集结了中国电影界陈凯歌、宁浩、张一白、薛晓璐、管虎、徐峥、文牧野等第五六七代七位优秀的导演,由他们组成“中国电影梦之队”,联手为我们打造了一场送给祖国70华诞的豪华影视盛宴。https://v.qq.com/x/page/g3002fbxdv4.html?ptag=qqbrowser《我和我的祖国》航拍花絮视频剪辑影片片尾“志翔航拍”字幕信息影片中有太多让人感动,温暖,泪与笑交织的瞬间。七位导演选摘了七个伟大历史时刻,从《前夜》(管虎执导)、《相遇》(张一白执导)、《夺冠》(徐峥执导)、《回归》(薛晓璐执导)、《北京你好》(宁浩执导)、《护航》(文牧野执导)、《白昼流星》(陈凯歌执导),通过7个平凡人物的故事见证新中国这七十年的发展进程。电影剧照作为航拍工作者而言,最自豪的莫过于看到自己拍摄的镜头出现在大银幕上。想起刚接触到这部影片时,制片说这是一部献礼影片的拍摄,国家任务,整个制作团队非常专业,拍摄规格很高,对器材要求、航拍技术水平的要求也非常高。而我们的器材,Z1飞行器完全能够负载摄影组要求挂载ARRI MINI+MP镜头(为提高整体制作水平,保证画面质量,航拍与地面设备器材统一标准,使用ARRI MINI摄影机,和MP镜头。),技术操作水平也通过DEMO得到了摄影导演的初步认可,于是我们确定了最终合作意向。Z1(四轴八桨飞行器)升级特点:极限负载突破46公斤推重比2.5+,支持Cooke变宽Arri MP/MA 变焦等镜头5分钟手工快拆升级配置首次实现3公里无限变焦距离速度突破100km/h上下云台挂载,兼容各大主流云台5000米高海拔安全飞行7桨也能飞做周全考虑,公司带了两套Z1飞行器去现场。进组之前,航拍人员将要带进组的机器进行了全方位的检测,比如飞机的各项性能是否正常,云台是否在正常工作,电池的稳定性及其他周边零件的安全检测等,保证器材在现场不掉链子。航拍组现场安装、检测无人机去到横店的当晚,管虎导演临时起意决定来一组航拍。相比之前,从装机到起飞可能需要半个小时,而Z1无人机在优化升级后,只需要短短五分钟就能做好所有起飞前的准备工作,大大降低了时间成本。所以当导演说要航拍,我们便迅速架好机器等待他的下一步指令。Z1飞行器因无人机的便捷性,在某些用伸缩炮或者架高台也能够完成的镜头时,导演最后还是会选择无人机拍摄。但在有些情况下,无人机反而不是最佳选择。比如片场有一段拍摄演员黄渤的戏。当时导演希望无人机在一个相对高一点的视角,镜头正扣拍摄。无人机飞的很低,但在高速转动下(6000rpm),它强大的动力把美术老师置的景(下边的红绳子)都吹飞了。因此最终出现在电影中的这个镜头是用伸缩炮完成的。而在拍摄旗杆的镜头时,如果用伸缩炮去完成基本不太现实,这时就需要用到无人机去进行刷锅运动。刷锅运动,强调的是飞机匀速,卡点位置准确,考验的就是飞手与云台手的配合,以及操作是否稳健。片中有一场镜头是患有恐高症的演员黄渤徒手爬上22.5米高的旗杆去焊接阻断球,导演要求无人机围绕演员进行360°飞行拍摄。无人机离人、离旗杆都非常近,把演员脸上的紧张、害怕的情绪一展无遗甚至放大,连观众也为他捏把汗,生怕他摔了下来。还有拍摄演员欧豪坐在屋顶拿着大喇叭大喊寻找物件支援的镜头。当时拍摄了两条,一条离人较远,之后导演又要求无人机离演员更近,不到5米的距离,依然是360°绕飞。这个镜头在正片中也能看到,很有气势。一般来说,在无人机的镜头拍摄上,更多是看导演和摄影的诉求,他们想要什么样的画面,我们尽力去实现。这次拍摄对我们来说,是一件既兴奋又具有挑战性的事。毕竟是这样的高精专的电影制作组,所有部门工作有效率有秩序地进行,而与导演、剧组的合作也非常顺利愉快。管虎导演在现场展示出了他极强的把控能力,不管是场面调度,还是画面拍摄,极具个性。飞手张超说,有晚他们刚把飞机降下,导演走过来问谁是飞手?当时他都没反应过来,以为是要挨批评呢,哪知导演说:飞的真好! 这才是航拍! 牛! 这话把现场几个航拍小伙都高兴坏了,即便接下来空熬了几个大夜也不觉得苦了.....管虎导演看航拍视频画面,右一:航拍指导李毅,右二:飞手张超更多航拍干货分享,敬请期待

  • 每秒1000帧的黑科技,BBC纪录片大佬都称它“前所未有”!

    大家总说,BBC是纪录片神作高产户。但就是这样的高产户,也有被折服的时候。就在前不久,我们曾常看到的《地球脉动》、《蓝色星球》、《我们的星球》等等纪录片的资深解说、主持人90多岁的大卫·阿滕伯格爵士,却“跪着”看完了一部由个人拍摄制作的海洋纪录短片,还连连称赞:“这是一部前所未有的海洋巨制!”啥话都别说了,不如先点进全屏,带你洗洗眼睛,感受一下什么叫真正的震撼!《浪潮》(MOCEAN)短片来自著名摄影师Chris Bryan。他有着15年追逐浪潮的冲浪摄影经验,于是他用每秒1000帧的摄影机记录了海浪形成和变化的过程。这款摄影机就是大名鼎鼎的、搭载全域快门的幻影Phantom Flex 4K-GS:摄影师Chris 不仅是幻影摄影机的使用者,更是一名经过学习认证的幻影摄影机技术员,跟幻影公司达成了长期合作。Phantom Flex摄影机系列可以说是所有电影制作人的梦想,根据经验法则,200-300 fps足以拍摄大多数野生动物和人类相关的活动,英国最高的BBC野生动物广播规格要求制作的影片必须以4K分辨率和100fps的速度拍摄。BBC海洋纪录片《蓝色星球》尽管很少有摄影机可以做到这一点,但Phantom在和其他设备的比较之下,最终以创新型的性能胜出。RED摄影机必须降低压缩比,才能在4K时达到100fps以上,但Phantom Flex系列却能以最高画质产生完全未压缩的RAW文件,并且是在1000fps的帧率下。但器材的卓越不是Chris唯一的武器,他具有创造性又敏锐的眼睛和他在极端的情况下驾驭自己先进设备的拍摄能力,都是他能拍出这样作品的关键因素。这些绝美震撼的镜头记录了他2018年所有的心动时刻,高帧率摄影机得到的超慢速镜头,让大海看起来更加深邃、广阔,甚至是恐惧。海浪在经过渲染后变得晶莹剔透,像是一大块流动的蓝色琉璃。但说是海浪,倒不如说这部作品讲的是「水」,这个可以形成任何形状,本身却无法构成形状的物质。在极其缓慢的镜头推进下,「水」形态令人震惊。呈现出我们对于极限空间的困惑。它可以形成一股波涛,却又能在极限中分裂成水滴,而这之间转换的临界点又成为我们对于空间变换的难以理解。水同时成为水滴,又同时成为波浪。它下一秒就会变成另一个样子,但它却无法跳出此时的变换。还记得前两年BBC出品的《蓝色星球2》,用6K高清数码摄像机、无人机、超高清探测、极度低光摄像、拖曳/吸盘摄像等技术,从各种宏观和微观的角度,展现出我们从未见过的那些海洋世界。而Chris正是《蓝色星球2》的主要摄影师之一。这次他带来的这部新的作品,更加证明科技的的确确已经改变了我们理解大自然的方式。或者说大自然一直是这样,只是人类(借助科技)才刚刚看到。不断更新的拍摄技术,让所见越发震撼人心,真实的海洋,远超想象。这部短片是我们从一个旁观者的角度去领略大海新的魅力。但如果当人融入这个世界时,瞬时间动与静交相辉映,琉璃千顷,仿佛是一个不醒的梦。水上运动创意短片《湛蓝史诗》?这部短片更加轻松,但致美致幻。使用的是Red Epic摄影机拍摄,镜头为装配SPL水下护盖的尼康14mm F/2.8。虽然拍摄主题是水上运动——冲浪,却不似传统运动视频的做法直接让镜头集中聚焦于冲浪者的肢体动作,佐以节奏极强的音乐,给人以动感与运动的激情。与之相反,作者独辟蹊径,更重视运动之美、人体之美以及自然之美,视频侧重于展现随运动轨迹而变幻翻腾的水流,将一个刺激的体育项目表达如吟诗咏词,让人不禁叹服:原来水中运动也可以这么美!略微拖慢的镜头配合轻缓空灵的配乐,大量的仰拍镜头让我们好像是以冲浪者的第一视角感受着海水的魅力。翻涌的泡沫、崩腾的浪花、滟潋的波光、开辟出的水流甬道,甚至产生水流也从自己的皮肤上淌过的错觉。海水的千姿百态无一不讲述着这项运动的美,看完之后除了对于自然的感慨更是有了一种参与其中的强烈愿望。同时那些影影绰绰依稀可辨的人物剪影和人形倒影,又仿佛是从隔着一层蓝色水雾的第三视角来窥得这项海上运动的冰山一角,看水流因此而破开,看海浪因此而漫涌,精致而魔幻,隔着海水看光,都更添神秘色彩。正如作者所言,“这就像是一段奥德赛的旅程,是一部每一个热爱大海河川、热爱水上运动的人都会找到共鸣的史诗”。这一程,行到水穷处,坐看云起时。

  • 一位20年资深摄影师,积累的17种独特构图技巧!

    在摄影中,构图有着举足轻重的地位:构图好,不一定就是好照片;但是好照片呢,一定离不开好构图。今天斯莫格小姐姐为大家分享一位摄影二十年的资深摄影师,他积累的17种独特构图技巧,希望能给大家在构图的时候带来帮助!1、对称式构图对称式构图具有平衡、稳定、相呼应的特点,但其缺点就是过于呆板、缺少变化。常用于表现对称的物体、建筑、特殊风格的物体。如下图,拍的是一座桥,根据桥本身对称的特性,非常适合采用对称式构图去拍摄。如下这张图中,实际上使用了三分法和对称式构图的组合,在这种带有水面的场景,采用上下对称的构图方式,可以很好地将地面和倒影相结合。2、三分法三分法构图应该是最常见也是最基本的构图方法。这个构图方法是用4条直线,将画面分割成9个相等的方格。这种构图,表现鲜明,画面简练。目前,绝大多数的数码相机甚至是手机都内置了九宫格辅助构图线,它适合应用于各种拍摄题材,最常使用的就是风景、人物等。如下这张例图中,分别将画面中的主体树木,水平线是放在框架线的部分,这就是非常典型的三分法构图,令画面主体非常鲜明地体现出来。3、框架式构图选择框架式前景,能把观众的视线引向框架内的景物,突出主体,同时也能制造出纵深感。将主体影像包围起来,形成一种框架可营造一种神秘气氛,就好像一个人从藏匿处偷偷窥视某个地方。框架式构图有助于将主体影像与风景融为一体,赋予照片更大的视觉冲击。下面的这张图拍摄于威尼斯的圣马可广场,画面中,拱门框住了圣马可教堂和钟楼。透过拱门框住风景,是文艺复兴时期常用的绘画方法。框架不一定是拱门和窗户,它还可以是树干或者树叶,下图拍摄于爱尔兰的基尔代尔郡,用树干和草地框住远处的桥和房子,让画面增加了一种深度。4、引导线引导线构图法,就是利用画面中的线条去引导观者的目光,让他的目光最终可以汇聚到画面的焦点。当然引导线并不一定是具体的线,只要是有方向性的、连续的东西,我们都可以称之为引导线。在现实生活中,道路、河流、整齐排列的树木、颜色、阴影甚至是人的目光都可以当做引导线使用。如这张埃菲尔铁塔的照片,使用铺路石作为引导线,将观众的目光带到埃菲尔铁塔上,在这个画面中还同时使用了中心对称构图法。引导线并非一定是直的,如下图所示,曲线的道路延伸到树的位置,同样能带动观众的目光。5、对角线和三角形对角线和三角形构图可以给照片添加动态的张力,让照片看起来更活泼。相对来说,水平线和垂直线就显得很稳定,如果一个人站在水平的表面上,他看起来就很稳定,但当把它放在倾斜的表面,就会给人造成一种紧张感。这样的构图方式更多地被运用在建筑和运动拍摄上。6、图案和纹理人类天生就容易被图案所吸引,图案可以是拱门的形状、地板上的花纹、墙上的浮雕,将这些作为画面的视觉主体,搭配光影,便能表现出特别的质感。7、奇数法则奇数法则是说,画面中主体是奇数时,画面在视觉上比较动人。例如,如果你要拍摄不止一个人的照片时,不要拍2个人,应该拍3、5或7个人。当然,对于婚纱摄影来说,这是个愚蠢的想法。但是只要有可能,如果你拍的不仅仅是真实生活的纪念照,就要记住奇数法则。8、填满画面让主体填满画面,周围留很少空间甚至不留空间,它有助于观众完全关注主体而不受任何干扰,而且还能让人很清楚地看到这个主体的细节。如下图,第一张,狮子的脸部填满了整个画面,可以让观众清楚地观察到它的眼睛和毛发细。9、利用空白空间在上面提到,要填满空间,而这个却正好相反,在画面中留出一些空白空间,它同样能让你的主题很明显且具有吸引力,同时还创造出一种极简的画面。10、将主体与背景分离使用浅景深将主体与背景分离,同样是突出主体的好方法。通过使用大光圈,将背景模糊,清晰的主体一下子就成了画面的焦点,这样的技巧最常用在人像和生活小品的拍摄上。11、改变一下视角现在很多相机都具备翻转屏幕,单反相机也都配备了好用的实时取景功能,这就给我们拍摄非常规角度的照片提供了很大的便利。不要总是以人眼的高度去展开创作,试着将视线降低或者提高,用不一样的角度去拍摄事物,可以获得意想不到的效果。12、寻找特定的颜色组合对于设计师而言,颜色的组合非常重要,但在摄影中却很容易被忽略。将某些颜色组合起来,可以在视觉上更加引人注目。如下面的色轮,相对的两种颜色为互补色,将这两种颜色安排在同一个画面里,可以使画面更有吸引力。如下图的夜景图片中,蓝色的夜空和黄色的建筑组合在一起,是不是一下子就吸引住了你的目光?13、空间原则空间原则说的是为图象中移动的物体,在其前进方向留出大量空间。譬如下图的船是往右行驶的,因而可以在右侧的画面留出空白,这样图像就富有动感,如果是在左侧留出大量空白,则给人一种船行将驶出视野外的感觉,可能会致使主题不突出等问题。下面这张照片中,弹吉他的歌手面朝右侧,因此在其右侧留白,我们就能顺着他的视野自然而然地看到桥上的风景,倚靠栏杆的路人,还有那对跳舞的夫妇。14、保持画面平衡摄影初学者常犯的一个错误是过于注重主体,而不注意与之搭配的背景或陪衬。其实好的照片需要前后景致的交相呼应,给人以错落有致的感觉,适当的留出背景也可以让主体更加的突出。而且,拥有前景和后景的照片会更有空间感。15、并列并列是一种非常有力量的构图方式。并列是指将两个或两个以上事物放在同一个画面里,让它们形成互补,使两者都发挥它重要的一部分,用照片讲述一个故事。这样的构图方式常用于人文题材。下图中,错落有致的报亭和其身后庄严的教堂并排在一起,形成了鲜明的对比,但它们却以不同的方式代表着巴黎,讲述着巴黎,告诉我们一个关于这个城市两个不同的故事。16、黄金三角形构图黄金三角形构图和三分法构图非常相似,只不过,这里的直线是从画面的4个角出发,在左右两边形成两个直角三角形。然后将画面的元素构入这些交叉的地方。这幅图的金三角原则应用得微妙。两个雕像的头形成了一条隐形的对角线,从而将人们视野引向埃菲尔铁塔。左侧的线正好与对角线重合在了埃菲尔铁塔的重心部位,而右侧的线则与对角线重合在了两个雕塑的中间位置。这两个重合点可不是随意的一点,而是对角线上的黄金分割点。17、黄金比例黄金比例原本是一个数学规律,由莱昂纳多・斐波纳契在公元1200年左右发现。他注意到自然界中大量出现了这个比例,以此为基础的自然结构设计即实用又美观。虽然在绘画和设计领域,黄金比例被视为一个准则,但摄影圈内对此并没有过多的讨论,因为这是一个高阶的构图方法,而很多人都弄不明白它。但其实黄金比例并不复杂,它和三分法构图非常类似,只是它的画面比例不是1:1:1,而是1:0.618:1。好了,以上就是今天为大家分享的一位摄影二十年的资深摄影师,积累的17种独特构图技巧,大家如果觉得对自己有帮助的话就收藏好吧!

  • 如何制造电影感?「Being Cinematic 摄影篇之灯光」

    今夜无眠,闲下来完成这个系列的灯光篇。似乎好像也许大概所有人一提到电影摄影就会知道灯光是制造电影感的主要手段,如此才奠定了灯爷们在剧组里不可撼动的地位。确实,灯光是一个非常非常重要的工具,也已经有很多很多的书来教你怎样打光。于是我只想简单地从下面三个方面来讲一下自己的心得见解。Intensity (Quantity) 亮度Direction 方向Quality (hardness or softness) 质感其实光还有颜色的特性,改天再说。Intensity 亮度:先 从亮度开始,这是最最最基本照明手法。光要亮到足够在胶片或者传感器上成像。关于这个成像的问题,我并不是只是说相机能“看见”,最基本的光亮需要达到摄 像机能呈现“没有噪点”或者“可接受范围内的噪点”。达到了这个水准后你想怎么浪才可以开始浪。要测量光亮最基本的工具应该是light meter(测光表)或者是waveform monitor(示波器?)。这两个工具的使用方法不同,但是测光结果差球不多,算是平分秋色又各领风骚。应该说拍东西的时候你至少这两种有一样,两样都 有更好。画外吐个槽:别特么相信自己的眼睛,或许你的眼睛很牛掰,不用测光表会显得你牛掰,凭经验真的很牛掰。可是电影做为一项传统工 艺,就像中国人做菜一样,撒盐撒一把,一把是多少呢?可以说老外很蠢,但是他们真的很严谨。他们对待计量事物严谨的态度应该值得借鉴。再说了,尤其是拍外 景,人的视杆细胞会自动根据环境的亮度自我调节,是的,你的眼睛也有可能是不准确的。那么,多少亮度的光才能让摄像机成一个没有噪点的像 呢?在拍胶片的远古时代,你得自己做相机测试。把胶片装好后设定一个光的亮度,然后半档半档地加或者减,然后观察出来的结果。现在数码时代的话你要看 waveform,最黑的地方应该在噪点范围之外就好。各个相机的表现力都各不相同。一些相机在7 IRE就木有噪点了,其它的可能要在10或者15 IRE。不要从网上道听途说,自己做过测试才是王道。像这样提亮了你拍摄时的“最黑点”会让你的画面看起来对比下降了,画面中有影子的部分会是灰色而不是 黑色,不过木有关系,后期只要一拉,你的黑色就会变成华丽丽的ture black(真黑),而不是你放眼望去网上那些微电影的浆浆糊糊一团(剪辑说不是我转码的问题呀,优酷说真的不是我的分辨率低啊)。关于protecting black (保护你的黑色)有更多话要说:如上图所示,不好意思拿别人的东西吐槽,只好吐自己的啦^^这个是很早以前拍的,注意看右下角黑色暗部的地方很脏,糊成了一团。关于保护黑色,其实最重要的还是测试你的相机,了解你手中摄像机的机能。举个例子,假如我用的是RED,在histogram里面可以清楚地看见,一旦低曝的话红色讯噪会溢出,也就是说为什么RED的低曝不如ARRI的低曝看起来舒服,ARRI的相机低曝噪点也会翻起来,但是不会翻出颜色,而且还挺像35mm的颗粒感,而RED如果低曝翻起了红色……呵呵……所以我一般拍摄RED的夜戏现在会比较喜欢过曝1档到1档半,然后后期的时候再拉回想要的曝光(通常夜景我比较倾向于低曝1档比较有月光的感觉……),下面给大家看一下目前比较满意的夜景成像:后来看文章,原来拍Mad Max的摄影师当时日拍夜的时候也是全部过曝2档然后再后期拉回……突然暗暗地有了种英雄所见略同的感受,然后在没有DIT on set的情况下,只好苦口婆心地叫导演脑补一下脑补一下……然并卵,很少有魄力的导演看着亮堂堂恍如白昼一样的景象还能淡定……于是乎,又到了你要巧舌如簧地跪求信任阶段了……话说这种方法也不是新生的手法,早在胶片时代就有祖可循,以前的摄影师没有现在那么发达的DI,只好在冲洗方法上面各种花心思,力求创造不一样的影响风格,其中就有前期过曝拍摄,后期再欠曝冲洗,根据化学反应创造不一样的影像。像1985年的片子Alamo Bay,就是拍摄时过曝2档,后期冲印的时候低曝一档,当时摄影师Curtis Clark, ASC给我们放原片的时候当时那种叹为观止的惊艳……黑色之后就是白色(天黑之后就是天亮- -),我没有一开始就讲人物照明,放心,因为做为一个摄影师最重要的工作之一就是确保你把信息都保存进了你的摄像机。如果一个华丽大气上档次的景给你黑的 全黑糊掉了,高光全都炸掉了,请不要说你看过这篇文章⋯⋯残念。确保你把图像信息都清晰地储存进了相机,你的曝光给后期留有空间,你的前途将会一片光明。 如果图像信息因为你的曝光炸掉了,你也差不多要拜拜了。所以,确定你的高光不会炸掉,有的相机大概在100 IRE有的有109 或者112。总之如果你是新手,尽量不要炸,如果你是老鸟,很会玩各种相机的knee(实在翻译无能),那么尽情地炸吧,我的膝盖您收下。好啦,技术宅放一边。上妹纸。照 明有一个比较主要的作用呢,就是把妹纸拍得美丽动人之余再去考量导演的意思(如果导演不是重口一般美丽动人都能接受过关)。这个前提很,关,键。因为导演 是导演,导演不是摄影师,你才是夯相机的。我经历过太多太多每当问导演要啥,导演说要暗,要排天倒海的黑。也见过太多太多导演要黑,DP拍很黑很黑,黑到 导演都看不下去了,然后DP一脸无辜地反问不是你要那么黑吗?说实话,很多新晋导演没有什么经验,要什么大概他们自己都不太清楚,做为DP你把画面拍美了 一般导演们都还是会心花怒放滴,关键时候还是自己拿主意吧。Direction 方向:到底怎么给妹纸打光呢?呃,有一百种方法(废话)。老式传统好莱坞喜欢把主光放在camera side(意思就是相机旁边或者相机和妹纸之间),正面高位置。这种看起来舞台戏剧感非常强烈,特别是光很硬的时候。另外就是你也可以把主光放在妹纸的侧面(旁边),差不多和相机形成90度的夹角。还有就是主光从妹纸的背后任意角度,这种方法现在成为了新兴好莱坞主光方法,而且越来越被认为“更正确的做法”(key light从up-stage方向过来)。主光从后方过来(up-stage)来会更容易地让妹纸从乱七八糟的背景从分离出来,然后从人物的影子里去拍摄 妹纸的脸蛋。最后决定影子的黑度在相机旁边加补光。基本上三点布光就这些,不过有个很关键的地方就是,如果你留心看,很多情况下演员绝对不是整个画面最亮的部分,除了一种就是画面里没有别的可见光源的时候演员才会是最亮的部分,例如黑暗中、黄昏或清晨,除此之外,把演员曝光为画面最亮的部分绝对不是明智的选择。还 有就是光的方向可以营造不同的氛围,这个蛮简单的,没什么好说的,例如从人物下方来的光比较适合营造恐怖氛围,但是!但是今年birdman里面的DP就 很牛掰:姑娘坐在天台,已经接近黄昏后的时候,主光是是从下方(灯泡广告牌)上来的光,但是整个气氛却很浪漫!有木有!所以呢,只有适合的摄影,没有对错 的摄影,一切都以如何讲好故事出发,才是好的cinematograohy,没有什么布光法则,却疯狂地打破既定法则,大神就有自信这样玩。Quality 光的质感:那么应该用柔光还是硬光?什么是柔光什么是硬光?看光的质感应该看它产生的影子的边缘,看看我们的帅锅鼻子在脸上产生的影子边缘很清晰锐利,这种影子基本都是拿个fresnel or open faced的灯,挂个6-10ft高放在差不多15ft远,然后一灯拍上去,以前大家都是这么干的。但是现在不一样了,升级了,潮流越来越崇尚自然主义 (nature lighting)。就是打的光要让人看着觉得就跟没打灯一样,大自然母亲就这么让美丽发生了。柔光源:Bounces 反弹的光 (反弹的面积越大光感越柔,床单是个好东西……)Fluorescents 荧光灯 (天生自带柔,天生自带美)Zips 柔灯箱 (高级货chimera,灯笼等……)Diffused Open Face (在开口灯前面放一层一层的柔光纸)硬光源:灯泡 (不带磨砂质感的裸灯泡)HMI/Fresnels (镝灯和聚光灯,用个反光板反一下可以变柔和)Pars (帕灯?光感非常硬的灯)当然外面还有成千上万种灯,对于初学者来说以上那些是常见的光源。等各位大神玩到Brutes, Dinos……你就会十万个全知道也不需要看这个帖子啦。最后最后送个小tips,很多人很喜欢柔光,简直太爱了,可是私以为好看的场景是需要一定比例的硬光揉合进去,呃……你们体会一下。

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