全部忽略

提示

你是否要取消绑定(第三方名字)账号?

确认 取消
取消 确认
         浏览器版本过低,为了正常使用请升级浏览器,推荐使用Chrome浏览器
全部文章
  • 专访中国最好的纪录片导演之一:周浩

    《大同》之后,周浩已经有四年没有新的长片面世了。“这有非常多的客观原因,也不全是我个人的原因,有的片子拍完了出不来,有的在剪辑台上,有的还在进行中。”周浩说。周浩丨CFP已经拍出9部纪录长片的周浩,依旧不敢说自己是个“熟练工”。在他看来,拍摄者与拍摄对象的沟通,是创作一部纪录片的核心工作,而每次拍摄都会出现新的沟通问题,都得想新的办法去解决。所以他说,拍片子永远都是如履薄冰的感觉。他的拍摄题材很尖锐,但他面对拍摄对象却很“敬畏”。“我不认为把别人赤裸裸地呈现在镜头面前,就叫纪录片。”周浩说。他认为,只有拍摄者处理好自己跟拍摄对象的关系,才能让观众认同拍摄对象。相比强烈地站在某一个立场上去批判别人,他更愿意去呈现一个人物的多面性。对于这个小众行业来说,除了需要解决创作的问题,资金问题也依旧困扰着甚至是处于金字塔顶尖的创作者。第一次获得金马奖(《棉花》,第51届金马最佳纪录片奖)时,周浩就对媒体开玩笑说自己对于奖金期待比对奖杯期待更大,毕竟很多纪录片导演都“缺钱”。即使是现在,他依旧需要带着新作《孤注》的样片参加大大小小的提案会,以便获得更多的资金帮助。周浩导演《孤注》获“腾讯谷雨 x CCDF:最佳提案奖”丨CNEX周浩并非学院派出身,从纸媒转行纪录片的他,曾被人称为“记者型导演”。但其实,当我们以电影的视角去看他的作品,会发现许多极具原创性的影像呈现。在他的诸多受访文章中,我们也能读到他从实践经验总结而出的独特创作理念。他强调,纪录片的本质,是人与人的沟通;拍纪录片,于己于人都是一种完善自我的过程。相信读过周浩相关创作谈的人,都会拍纪录片的冲动。拍电影网(Pmovie)就带着学习的心态专访了周浩导演,向他讨教纪录片的创作方法和理念。无论什么题材,我本质上都在研究人Pmovie:您最近正在拍摄新片《孤注》?周浩:对,我一般是几个片子同时在拍摄。Pmovie:我看《孤注》的简介,直观感觉它是关注人的心理问题。在题材上,它跟您之前那些比较尖锐的带有鲜明社会性、时代性的影片是否存在区别?周浩:这个片子拍的是“创伤后应激障碍”(PTSD),其实还是一个集体性的问题,有些报告显示,中国有PTSD症状的人,也许超过一个亿。也许我们身边的人,也许你我,都曾经历过,只是我们没有特别注意到这个问题。很多人不去深究这个问题,但不深究并不意味着这个问题就会被彻底埋葬掉,它还是会不断地回响,还是会对当事人的心理造成非常大的影响,进而影响他们的生活质量。我这里的两个拍摄对象,都是非常勇敢的人,都愿意去跟别人分享自己的故事。他们希望大家跟他们一样,从阴影里走出来。我觉得一个社会要健康、正常地发展,人的心理健康问题是必须去探讨的。我们经常简单地把犯罪行为归结于人的一时冲动,其实在精神方面、社会学方面也有很多影响因素,这是我想去探讨的领域。可能就像你刚才说的,它好像不是一个很尖锐的社会问题,不是传统意义上的讲弱势群体或者阶级矛盾的问题,但是我并不认为这就跟我以前的片子有特别大的区别,其实都是在研究人。Pmovie:您的拍摄对象很丰富,影片产量也很高,对您来说,是不是不缺拍摄题材?您曾说,好题材是“遇到”的,那为什么您能“遇到”这么多好题材?周浩:其实就是一个多年的媳妇熬成婆了。纪录片实际上是我的一种生活方式,所以我的神经末梢也许就会比一般人要稍微敏感一点。我本身以此为职业,肯定在生活中时时刻刻遇到什么事情,都会想它会跟我的工作发生什么关联。这种联想、转化是自然而然的,并不是刻意为之。我做到现在,有时候题目也会来找我,比如现在这个《孤注》。Pmovie:您一般会如何结束一部纪录片的拍摄工作?因为有些纪录片不是一个事件,没有明确的开头、结局,那什么时候可以结束拍摄?周浩:肯定是有些自然的节点,我们当然是希望时间越长越好,但是也不可能一直拍下去。很难去描述一个具体的点,但总归是有一个时间点。打个比方,比如拍春夏秋冬,有人愿意把结尾放在生机勃勃的夏天,有人则愿意把结尾放在萧瑟的冬天,这就是拍摄者对事件不同的解读方式。但也不是自己完全主观的决定,还是跟拍摄对象的行动有关,当事情发生到某个节点的时候,我觉得可以做一个结束,那就自然地结束了。《龙哥》纪录片的独特性,源自你跟人打交道的方式Pmovie:您并非学院派出生,但从《厚街》到《高三》,影片的结构感更明显了,剪辑、摄影上也更讲究技法了,这个改变是怎么发生的?周浩:《厚街》那部片,我开始做后期的时候,并没有觉得它是一部电影。如何定义这个作品,我好像也并没有特别在意。做完之后,别人就说你做的是电影,那之后我自然而然地去学电影的拍摄技法,就看别人怎么拍的,然后依葫芦画瓢,就有了《高三》。因为拍摄器材廉价化了,拍电影的门槛也变低了,而且我这种小电影成本也不高,很多东西都是在拍摄实践中学到的,这是一个潜移默化的过程。《高三》我还不是特别喜欢,它的结构我觉得太匠气了,总觉得有点中规中矩,现在再去拍的话,也许会有更好的处理方法。《高三》Pmovie:您纪录片的结构主要是诞生在哪个环节?前期会有比较详细的计划吗?周浩:早期会有一个大概的方向,但结构在后期一定会发生天翻地覆的变化。如果一个片子在拍摄前就想好了,最后拍出来的样子跟刚开始想象的一模一样,那肯定不是我的片子。我蛮期待事情在发展过程中所产生的变化,随着这个变化的肌理,它自然会有一个结果。但有很多片子在拍摄结束后都没有结果出来,那我就跟剪辑师共同把结果“再创作”出来。Pmovie:前期调研的时间有多久?周浩:很短,只要别人同意我拍了,我就会开始拍。其实最关键的问题是别人愿不愿意让我拍,如果他愿意,同时跟我事先的某种想法又契合,那我就着手拍摄。Pmovie:您曾说,拍纪录片最重要的就是跟拍摄对象的沟通。具体需要什么样的沟通能力?健谈,跟拍摄对象自来熟?周浩:不是简单的自来熟。自来熟是你说话比别人说话多,你会变成主角,其实这在拍片子的过程是蛮忌讳的事情。你是要去观察别人的生活,不能自己唱主角,更不是跟别人说自己有个特别大的主题,忽悠别人来拍摄,这肯定也是不可取的。拍片子的开始都是因为双方有一个契合点。我拍片的目的是什么,我先告诉拍摄对象,如果他们正好也愿意分享自己的故事,这就在第一个层面上达成了共识。只有当我拍片的意愿和跟拍摄对象的意愿相互重合的时候,这个事情就可以往下进行了。而且在交流过程中,拍摄对象会问你,为什么要拍他,对他的什么东西感兴趣。拍摄对象大多是不许报酬的,那别人为什么要让自己未来一年的生活都被一个摄像机跟着?所以你首先要说服你的拍摄对象,但说服不是欺骗,是需要表达出自己真诚的意愿。你为什么要做这个片子?做这片子干嘛用?你要跟别人说清楚。然后对方觉得好,说我们一起来试一试吧。《龙哥》Pmovie:生活中不善于交际、沉默寡言的人,能拍好纪录片吗?周浩:其实拍纪录片跟一个人内不内向没有本质的关系。内向的人可能有些题材拍不了,比如《大同》这样的题材,但可以去拍自己最擅长的题材,比如说拍自己的父母或者最要好的朋友,那这也许就是我进不去的地方。每个人做片子都是这样,就是做自己最熟悉那一块。我理解纪录片的本质,就是呈现你跟别人打交道的方式,就是用你的人生阅历,用你对世界的感悟,通过影像的方式去把它谋篇布局出来。羞涩人可以用他自己的方式去感受事件,他的感受方式跟我一个粗线条大老爷们的感觉方式就不一样。比如说像《高三》这部片,我去拍和他去拍就会是完全不同的两个片子,我用我的视角去解读别人高三这一年是怎么经历的,那他也会有他的解读方式。而且并不存在谁的视角更公允的问题,每个人都是用自己的视角来观察事物。观众在看片子时会觉得,这个视角,这种跟人打交道的方式是我以前没有感受到的,而这就是一部纪录片的独特性所在。并不说只有外向的人才能去拍纪录片,而羞涩的人不能拍纪录片。比如说我认识的一个纪录片导演叫沙青(凭借《在一起的时光》获得日本山形国际纪录片电影节小川绅介奖),他就是一个特别内向的人,但他同样也可以拍出非常棒的纪录片。一部影片如何能够与众不同?首先你得有自己的一个角度。纪录片就是一个导演用自己的思维方式、行为方式来研究其他人,本质上是这样的。每次拍摄都如履薄冰Pmovie:纪录片会展示拍摄对象的正负面,这是客观性的体现。但在拍摄过程中,如果拍摄对象要求隐藏自己的负面,或者提出其他的拍摄要求,您会如何保持自己的主控性?周浩:这种情况永远都有。纪录片的拍摄过程,实际上是你和你的拍摄对象互相了解的过程。当双方有了足够的了解,拍摄对象信任你的把控,那你就能自如处理。我经常说,拍片子永远都是那种如履薄冰的感觉,就是你一定要在拍摄对象、我(即拍摄者)和观众之间找到某种平衡。我每一部片子其实都是在这个边缘上走出来的。我并没有觉得自己在这方面处理得非常好,都不敢说自己是“熟练工”。因为每次遇到的问题都是新问题,都得想新的办法解决。包括最近拍这部片子,实际上我们跟拍摄对象之间也会产生一些的冲突和观念认识的不一致,然后这部分内容可能也会拍进影片当中。而且我并不认为把别人赤裸裸地呈现在镜头面前,它就叫纪录片。纪录片的作用是什么?我觉得它应该变成社会的一个润滑剂,促进人和人之间的相互了解和沟通。比如我们拍一个人物,我们是希望观众跟这个人物之间能够发生某种交流,而作为中介者的我如果不能处理好自己跟这个人物之间的关系,那怎么能够指望观众去认同我所拍的人物呢?当然,也不见得要去给别人唱赞歌。这个世界可怕的事就是从众,我们很多时候判断事物只分黑和白,这是好人,那是坏人,但实际不是那么简单,我更喜欢呈现事情的多面性,《大同》Pmovie:《大同》里面,前一段镜头是市长开会谴责下属,显示了他的正面形象,后一段镜头立马接上的是群众对他的异议,形成了两种观点的分庭抗礼。这就是一种呈现多样性的方式?周浩:对,我必须把人物往不同的方向去拉扯。比如说一方面你会觉得他的拆迁是没有道理的,因为影响到了很多人的生活,但回过头来我又会告诉你,拆迁其实有很多非常站得住的理由。其实每个人都处在各种力量的拉扯中间,而我们习惯一棒子把别人打死,所以这个世界总是有这么多矛盾冲突。我是不愿意特别强烈地站在某一个立场上去批判别人。社会大众对警察和医生存在一些固有的认识,但如果看完我的《差馆》和《急诊》,也许会觉得警察和医生都很不容易。其实我的片子本身并没有站在拍摄对象的立场上说他们很幸苦,只是观众看完之后会对他们有新的理解。Pmovie:随着跟拍摄对象关系的深入,您的态度、立场是否会变化?这对拍摄会有哪些影响?周浩:这种影响当然非常大,但不一定说是好的或者坏的。拍《龙哥》的时候,一开始我只是想观察别人的生活,但随着拍摄的深入,我自己也有点坚持不下去了,因为那种生活的确让我觉得非常不舒服,然后我跟他的关系也开始变得不一样起来。最后我跟他之间的互动就变成这个片子非常重要的部分,实际上这也是让这部电影成片的唯一方式。其实这个片子讲的就是我和拍摄对象之间的关系。我自己觉得拍过最好的两个片子,就是《大同》和《龙哥》。《龙哥》Pmovie:有些拍摄场景其实很危险,您在现场会害怕?会怎么去克服?周浩:因为本身我是做记者出身的,所以碰到过各种各样的事情。早期拍《厚街》的时间,就遇到了拍摄对象要杀人的场面;拍《棉花》的时候,摄影机还被人调包了。各种各样的事故会经常发生,我都得想办法处理。而且观众不会关心你的健康问题,只会关心你的片子拍得好不好。我们拍片子最痛苦的事情就是,事情发生了,你在现场,但你没有拍到。《厚街》考虑观众是记者的潜意识Pmovie:相比较主流纪录片,您影片的戏剧性是比较淡的,但是否也会去提炼戏剧性?周浩:我还是会受剧情片的影响,会下意识地去提炼戏剧性。因为我拍纪录片还是为观众服务的,不可能去拍一个观众并不关心的片子。比如我不希望观众觉得我的片子很闷,所以在时长上也会下意识地去控制,你看我的片子,其实都没有超过两个小时的。毕竟我是做记者出身的,记者做一个报道如果没有人看的话,那肯定会觉得很失落。所以我潜意识里不会把片子做得特别长。Pmovie:《棉花》拍了8年,这是您拍过最长时间的片子吗?拍好一部纪录片至少需要几年?周浩:《棉花》是目前拍得最久的,但《差馆2》大概就拍了十多天,那跟影片的质量是否有必然联系?我觉得不一定。我有时候开玩笑说,拍久一点是为了给自己自信。其实还是要视题材而定,有些题材并不需要拍那么久。拍久一点当然好,但这并不是一个铁律。《棉花》工作照Pmovie:您曾说想拍“抵达到观众内心,却又不易言表”的东西,后来有拍到这样的东西的吗?周浩:其实每部片子里都有吧,如果片子里没有这种东西,那就没有灵魂了。就像你跟别人介绍一样东西,肯定不是直接说这东西很美很漂亮。就像文学中的“白描”,不需要用华丽的辞藻去描述,但在白描过程中,我也有自己的方法和结构,最后读者能感受到那个事物的美感。比如海明威的小说《老人与海》,开头就写“这位老人84天没有捕到鱼了”,这样的描述就很快能够抵达观众,又会给观众留下很多想象空间。我们做影像的人,其实也是在找这种玄外之意。Pmovie:您曾说您的影片是忧郁的,但您希望通过纪录片促进人与人之间的沟通,这个追求又是积极、乐观的。怎么理解这两者之间的关系?周浩:其实我也是后来才渐渐发现,我的片子有一些不那么愉快的感觉吧。佛家不是说人生就是苦难的嘛,如果非要把生活描写成都是阳光灿烂的,那反而不是一个真实的世界了。其实我们都是在这种且行且珍惜的过程中,去走完我们的一生。如果非要告诉一个年轻人生活是美好的,我觉得这是在骗他。只有告诉他说生活是苦难的,是充满着艰辛的,也许他才有免疫能力去经历未来的一切。《棉花》工作照Pmovie:最后想问一个问题。您已经拍了9部长片,接受过很多采访,也做过很多讲座,那未来会有出书的计划吗?周浩:有很多出版商都找过我,但我目前还没有特别强烈的愿望。一方面,文字表达对我来说并不是一件非常得心应手的事情,所以写书对我来说还是有某种小小的负担。另一方面,我觉得我应该把80%的精力放在拍片子上。你们更想看到我的书,还是更想看到我的新片子呢?肯定还是更愿意看到新片子吧。其实《大同》之后我已经有四年没有新的长片面世了,这有非常多的客观原因,也不全是我个人的原因,有的片子拍完了出不来,有的在剪辑台上,有的还在进行中。采写丨翰光- FIN -

  • 李安:你们可以骂我,但电影是无辜的!

    《双子杀手》终于在李安的带领下,在中国院线登陆了!此前,很多人说《双子杀手》口碑扑了,一大原因就是作为公认的世界电影风向标的美国媒体评价爆冷。烂番茄新鲜度29%(7评),MTC是33分(0好评2中3差) 创下了李安的口碑新低。但同时《双子》在法国却是口碑一片向好,普遍四星好评,从导演、剧本、表演到视效、拍摄技术,逐个夸了个遍。看完这种两极口碑,不免让我想起上一次李安的《比利·林恩的中场战事》刚上映时,也面临着如此局面。时隔三年,李安这次又失败了?还是我们错怪他了?其实也不难理解,文化的差异导致了不同地区的观众对同一部电影有很大的观感差异。美国媒体一向都是更看重剧情,看重娱乐性,而法国媒体则更注重影像,在意的是作者性。《双子杀手》主创但是!别人的评价只能是参考,还是只有自己真正看过影片,尤其是在CINITY厅亲自体验过4K 120帧“顶配”《双子》后,才能真正的感受到了这部影片究竟如何。今天厂长就为你详解李安这个“电影技术杀手”的拍摄奥秘!01剧情扑了还是爆了?终于等到18号零点的首映,抱着对技术的满心期待以及对剧情的低要求进了影院!先不说影片如何,影片放映完人们都不约而同自发地鼓起了掌,而演职人员表结束滚动时又是一阵掌声,我想这是观众对于一名电影的先驱探索者最大的肯定。说回剧情(可能略涉嫌剧透),在我看来其实并不复杂。这是一部披着克隆、特工、动作片皮的李安式哲学电影。特工亨利(威尔·史密斯饰),在准备退休之际意外遭到一名神秘杀手的追杀。在两人的激烈较量中,他发现这名杀手竟然是年轻了20多岁的自己,一场“我与我”的对决即将展开…很多人说这部影片很“李安”,因为双重父子关系等等,将老亨利(51岁的史皇)和小克(23岁的史皇)解读成父子关系,以为李安又想来探讨伦理关系和弑父情结。亨利和小克之间更像是年龄跨度较大的“兄弟”,严格来说是年老的“自己”和年轻的“自己”的自我对话。亨利与小克之间的追逐战更像是我们年轻的时候偶尔会预感到老去的自己会有多面目可憎,所以小克对亨利的追击虽然心有疑惑但仍毫不留情;而年纪大了往往会对于自己的一生有所悔恨和遗憾,希望可以穿越回去劝诫自己。所以亨利对小克多次忍让,并在最后阻止小克杀死反派,也是因为他希望年轻的“自己”不要重蹈覆辙,能有一个完整的心和完整的人生。不过仁者见仁智者见智,虽然网上众多讨论故事剧情的帖子五花八门,但大多数人在意的故事,却并不是技术狂热者李安感兴趣的。李安在采访中说:“故事并不吸引我,但是这个元素,一个大家都很熟悉的人,电影和他自己,两个人并排演戏,而且这两个都是真人,那是是以前看不可能经历的感觉。我很期待看到,这样演出来的戏是什么样的感觉。”说穿了,李安根本没想通过这个剧本表达什么深度的内容,而是更像是一种对自己拍电影技术的挑战。李安专访-“拍《双子杀手》像回顾自己的生命”?02两个史皇的互杀?剧情之后不得不提的就是李安带来的新技术。我们以为李安是文艺片专业户,只是近几年才开始沉迷技术,事实上李安在学生时期就已经是一个“技术痴”了。《少年派的奇幻漂流》李安自己曾提到:“导演(director)就是给方向(direction)的人。从学生时代起,我拍片就有个目的:想练习一样新技巧。……直到现在,我还保持这个习惯,每拍新片总希望能触摸一些新技术。我拍片的胃口很大,有很多好奇心,学到某个技术,就会有快感;而且我希望做出不同的效果,令人印象深刻,我就有很大的满足感。”《双子杀手》对于李安来说要解决的第一难题,就是如何完美还原一个年轻30岁的威尔·史密斯。而最好的办法就是用CGI技术打造一个“人”。2015年的《终结者5》通过CG实现了施瓦辛格年轻化,2016年的《美国队长3》也让小罗伯特·唐尼重回小鲜肉,但是无法与现实演员长时间进行互动。今年的《阿丽塔》是一个由3万台电脑、800位特效人员耗时2年打造出的超级高仿“虚拟人”,她可以和真人演员在现实场景中一起出现,但是这仍然显而易见是一个假人。事实上,这并不算是什么新技术,但从没有一部电影像李安这么大胆,让数字打造的23岁的史皇跟50多岁的史皇在现实场景中进行如此长时间的互杀对手戏!《双子杀手》的最特别之处也在这,一个演员同时饰演年龄跨度如此大的两个角色,不仅要在外形转换上做到天衣无缝,也要在情感切换上毫无违和。尤其是4K+120帧的高清影像下,所有细节都必须无懈可击。李安再次和《少年派的奇幻漂流》的特效制作者Bill Westenhofer、以及全球顶尖CG特效公司Weta Digital合作,动用500名视觉特效师,花了整整两年,打造出一个23岁的威尔·史密斯。整个特效团队解构了威尔·史密斯的每个身体部位,细致到每一寸肌肤。《茶煲表哥》(1991)他们回顾了威尔·史密斯早期所有角色,包括电视剧The Fresh Prince of Bel-Air、《六度分离》、《绝地战警》、《独立日》等,还有生活中的素颜视频,如家庭录像等,几乎找来了他20多岁时的所有视频素材。1989年威尔·史密斯21岁时的录像视频特效团队还划分成不同的组,研究牙齿的,研究嘴唇的,研究皮肤的等等。他们还花了很长时间研究威尔·史密斯的眼睛,因为眼神是演员表达情绪的最重要武器,细致到巩膜、角膜、脉络膜。当然,工作远不止这些,他们需要模拟肌肉运动、血液循环、呼吸频率...而在拍摄时,威尔·史密斯只需带上一个头部装置,在脸上布满摄影机跟踪的点位,模具上的两台摄像机可以完整记录他每一个细微的面部表情。特效师再通过模具校准脸上所有的跟踪点。然后跟踪点通过电脑进行数字空间上的计算转换,在虚拟形象上重构整个面部和表情细节。于是电影里的小克就有了如假包换的皮囊和丰富而变化的表情情绪。虽然可能是为了展示小克的逼真,各种近景特写实在有些多……当然也要感谢威尔·史密斯是个无畏而敬业的演员,既能演出中年亨利的成熟和沧桑,也能演出青年小克的天真和冲劲。在看电影时,即使明明知道小克是一个假人,是虚拟的,但还是会被他躲闪的眼神、因为烦恼而拧在一起的眉毛、感到被欺骗被背叛的流泪而吸引。李安说“有些人说这是技术,但事实上这就是艺术。”“我们模仿的是上帝造人的过程。创造一个鲜活真实,看起来有自己思想的真人。”03120帧怎么爽?第一遍,我只是看了一个60帧的点映。但当厂长在“满配”模式下二刷过后的感受,就一个字:爽!120帧,才是李安在这部片中注入的最大野心!但与CGI造人技术不同的是,120帧拍电影,却有人看好有人唱衰,没有一个定论。然而必须知道的是,现阶段普遍的24帧只是时代选择下的刚好够用,并不是极致。其实一开始电影的帧率并不固定。例如早期卢米埃尔兄弟拍摄的是 16帧,而爱迪生则推荐采用 46帧进行拍摄。直到30年代学院派才定下24帧为电影拍摄标准,其实我觉得这更应该叫“底线”。因为这是人眼能接受的最低极限,再慢就会识别出是连贯的照片而不是一段动态视频了。80多年来,电影艺术一直被称为“24格的真理”,因为24帧画面细微的卡顿感和我们常说的动态模糊(Motion Blur)以及胶片带来的较暗的色彩效果,已经成为对所谓“电影感”的一种固有印象,所以我们才说24帧看起来像电影。而且,据李安讲解:“24帧/秒只是行业习惯,其实就是片商为了低成本考虑,它本身是低帧率的,没有什么科学道理。”任何时候都不缺寻求突破的人,早在1956年的时候上映的《环游世界80天》就是用的30帧每秒拍摄,可惜这个帧率当时的影院都不支持,还是只能以24帧播出。2012年的《霍比特人意外之旅》尝试用48帧来拍摄,然而全球当时只有1/150的影院的屏幕支持这个帧频,48帧的版本在中国始终没能播放出来,但是这也传递给了世界电影一个信号:高帧率电影正在进入全球影迷的视野。2016年李安用《比利·林恩的中场战争》带来了更真实的120帧,但是全世界也只有6家影院支持,大多数人都未能感受到120帧的真正体验。也有很多反对的声音,北美媒体也曾总结过“HFR(高帧速率)电影”遇冷的原因:“额外的细节,超真实的画面有时候会阻碍观众的注意焦点。从而影响整个观影体验,尤其是这个故事还并不让你喜欢。”可是对李安而言就如同打开了新世界的大门:“在拍国语片前,我想再试一下好莱坞的技术,毕竟他们的工业体制相当完善,我想看一下我还能做什么。”在李安看来,120帧只是一部电影最正常不过的帧率,“电影的帧率固定在24帧是因为比较容易做到,包括亮度也是因为如果太亮胶片就会燃烧”,李安介绍道,电视目前已经可以达到60帧率,据研究,人眼在超过800帧率时才会无法辨认。以前一直是电视追赶电影,但是现在却是一成不变的电影规格被电视远远甩在后面。电影的24帧已经太久了,如果再没有新的突破,那么家庭影院可以看的影片为什么还要花更多的钱去电影院看呢?低、高帧率观影《双子杀手》示意图“电影之所以这么好,是因为一百多年来,一个接一个的天才,一个接一个的工匠,多年来汲取观众的反馈,它变得非常复杂。”詹姆斯·卡梅隆曾表示,采用每秒48帧或者60帧画面的方式拍摄是为了更好的服务于3D技术,制造出更加真实更加完美的影像效果,在真正意义上给观众提供一种身临其境的观影体验。而4K+120帧+3D的《双子杀手》则真实到可以看见人物脸上那些细小的皮肤颗粒、花园里飞舞的蚊虫(以前只能通过演员拍脸的动作和常识知道那里蚊子很多)。120帧在《双子杀手》中的好处,更具体一点的例子,就是两代史皇的这场追车戏。早年间,摄像机架在摩托车上,开30迈的速度,用反复的抖动、横移、高速剪辑可以做出100迈速度的效果。因为在24帧下,速度再快观众也看不清。但如今最大的进步就是:李安拍一场摩托车追逐就有无数种方式更过瘾的呈现。他可以用长镜头第一人称拍摩托车高速狂奔、可以拍第三人称视角摩托车甩尾飞去、可以拍摩托车追逐时,演员相互射击、可以拍摩托车摔毁,甚至爆炸的细节。甚至连摩托车行驶过程中自然的车尾抖动,都看得一清二楚!不得不说,这是我看过最舒服最刺激的一次3D电影。李安说:“当你体验这个电影的时候,就开启了完全不同的观影体验,那是另外一个世界,而这是属于数码应该做的事情。”尾声有人说:“(李安)是在错误的时间做(可能是)正确的事情。”但是如果现在没有人做,所谓“正确”的时间又什么时候才会来呢?不可否认的《双子杀手》带来的技术革新确实对行业内产生了震荡,至少会有更多的影院支持高帧率电影。三年前,国内能够放映120帧的影城仅有2家,到10月18日《双子杀手》上映时,国内能够完整演绎4K+3D+120FPS的影城已经有超过30家。华夏与Real D,与李安在加拿大的数字技术工作室进行技术合作,研发出了一套整合了“4K+3D+120fps高帧率(HFR)、高动态范围(HDR)、广色域(WCG)、沉浸式声音(Immersive Sound)”的全新放映系统,取名为“CINITY”通过李安和华夏电影,好莱坞大片有史以来,第一次彻彻底底的将中国设为了主场,也为中国观众带来了最前沿的观影体验。目前为止,支持60帧/3D放映的影院已达5000多家,支撑80%的中国票房市场。现在全国已经有30块CINITY银幕。10月底会有将近50块,到年底会增加到100块。从某种程度上讲,这次CINITY影厅的建设,更多体现了国人的智慧和国人通过近些年市场变化之后所做出的应对策略,在未来也会有希望打破欧美对高端影城技术的垄断。而硬件的升级也给了更多人探索的信心,也会有更多好剧本和想法被发现、被创作、被呈现在观众眼前。李安与他的技术有着非同寻常的意义。十年前,2009年上映的《阿凡达》,用令人耳目一新的特效技术撬动了中国的电影市场,不仅收获了13.78亿元的高票房,还使得IMAX被大众接受且愈发普及。十年后的今天,无论最终《双子杀手》在国内票房如何,都不会是高帧率电影的句号,而只是高帧率电影的又一次尝试和起点。“电影看了100多年也是这个样子,演了很多东西,其实很多东西已经僵化了,制式化了。在全世界很多地方的观众有点疲惫,尤其是美国。我觉得反而中国观众对看电影这回事还挺带劲的,所以我觉得充满了希望。”还记得,3年前《比利·林恩》上映的时候,李安曾经说过:“这就是电影该有的样子,你们可以骂我,但技术是无辜的。”

  • 啥是剪辑代理?

    去年录了一套FCPX与宣传片剪辑基础的课程,最近是在是太忙了没时间写新的文章过,所以只能用课程来填更新的坑了。但是这套课程有很多内容是软件基础,鉴于这里大神那么多,所及软件基础就不放在这了,放一些重点内容就好了。出来混多了才发现这么多人都不会用代理的啊喂!上来对着原素材卡卡一顿操作,还纳闷电脑为什么总卡呢?这个锅电脑配置可不替你背。电脑就是跟我们并肩作战的战友,不能给战友大压力,还甩锅给她吧!别当猪队友。你的战友一直在用行动跟你沟通,你懂吗?这么说吧,不用代理啥电脑也撑不住你几轨几轨的4k素材。所以电脑崩溃也只是分分钟的事儿。当然,要想剪辑流畅(不卡)、提高稳定性(不崩溃)、提高效率(不加班)要学会用代理啊喂! 以前用FCP7的时候都是要自己转码做代理的,而现在的新版软件基本上都是可以使用内部代理的,之前也讲过pr的内部代理怎么搞,然鹅FCPX的内部带及其简单粗暴。当然这期还简单介绍了一下MAC平台的代理文件如何使用的问题,不只是FCPX,基本上所有剪辑软件要想使用流畅、稳定用代理都是必要的,当然前提是你要选对代理的格式哦。目前4k视频是主流趋势,很多宣传片、广告的拍摄都采用4k拍摄,如何让低性能能的设备流畅剪辑就是我们本节需要学习的内容。什么是代理?剪辑流程中为什么要使用代理呢?使用代理的主要原因是代理可以让我们在电脑配置较低的的情况下对高码率、高分辨率的素材进行流畅的剪辑,说白了就是让你剪片子的时候不卡,在出成片时再替换回原素材保证影片的清晰度。代理在我们剪辑的工作中是非常重要的,我们必须清楚什么样的情况下需要使用代理流程。比如现在流行的4K,甚至8K的视频在后对电脑的配置与性能的要求非常大,很多高配置的电脑直接可以直接对4k的视频进行剪辑,但如果多轨道剪辑的情况下依旧会很卡,这个时候使用代理来进行剪辑就可以提高剪辑的流畅程度和工作效率。对于视频格式较小,素材相对也比较少的素材,FCPX可以导入的素材也可以不使用代理模式,但当你的电脑性能不能胜任剪辑任务的时候,代理模式依然是让剪辑过程更流畅的首要选择。FCPX简单粗暴的内部代理操作导入素材后在浏览窗口选择你需要做代理的素材单击鼠标右键选择对媒体进行转码,在弹出的窗口上面勾选创建代理媒体。创建媒体代理是比较常用的,选择代理文件会将导入素材进转码成一个比较小的文件,进行剪辑。优化媒体,这个选择会将导入的素材进行转码,生成FCPX支持的格式可以进行流畅剪辑,但是转码速度较慢,优化格式也非常的大。可以在后台任务中查看任务进程,可以看到内部转码流程处理速度还是非常快的。内部代理格式统一默认为原素材一半分辨率大小的Apple Proxy代理格式,素材转码结束之后,在资源库——Proxy Media也就是代理文件夹中可以看到转码之后的代理素材。开始剪辑时,只需在检视窗口的显示菜单下勾切换至代理模式对视频进行剪辑操作,输出生成切换回原素材格式,就可以保证剪辑的流畅程度和视频的清晰度啦。当然最终视频渲染的速度还是要取决于你电脑的配置。使用移动硬盘备份素材的同学,也可以把只含有代理素材的资源库拷贝到别的设备上进行剪辑。剪辑完了再把原始素材的硬盘接上,一键切回原始状态,输出最后的成片就可以啦。FCPX的代理剪辑模式有很多优点:1、prores 422 proxy编码质量足够、速度快、文件小、剪辑流畅性极高2、原素材与代理可以实现一键来回切换3、成片时无需输出XML文件进行复杂的套底流程4、安全、方便、高效MAC平台常用代理格式在使用一些特殊格式进行拍摄后,剪辑软件不能直接支持的情况下,也可选择在软件外部进行转码后再导入到剪辑软件进行剪辑。这个时候我们就要选择适当的外部代理格式,方便我们的工作。这几张图用肉眼观察几张截图的清晰度并没有什么明显区别,而素材大小差别却非常明显。Apple ProRes 422 HQ 视觉无损编码,但是相对文件大一些。适合剪辑完成后直接输出,不需套回原始格式的情况。AppleProRes 422,人眼看出不出损失,相对Apple ProRes 422HQ格式文件又要小一些。Apple ProRes 422 LT能最大限度保留文件细节的情况下减小文件大小,比较适合低储存容量下的剪辑。Apple ProRes 422 Proxy,fcpx内部代理就是这个格式,最后输出要套回大格式。补充:还有一个Apple ProRes 444这个属于无损编码,最大限度的保留原始视频的色彩信息,但是占地面积……你们懂的!当然,代理的清晰度也取决于原素材的本身的品质,原素材品质越高,差别越小。一般情况下根据自身存储容容量选择代理格式,使用低品质代理,走调色尽量流程时使用原始素材格式进行调色,如果想直接使用代格式进行色彩处理就需要选择最高品质的422HQ作为剪辑代理,更高的要求则要考虑444了。注意:一般外部转码是针对一些特殊的格式,FCPX不支持的格式,选择外部转码就用不了fcpx一键切换代理和原素材功能了。如果FCPX支持的情况下可以尽量使用内部转码。我们认识格式的目的其实就是为了在保证素材在最小损失细节的前提下让剪辑过程更为流畅。使用低品质代理一定要在最终输出前套回高品质文件。这个是所有剪辑软件都适用的方式。好了第一章关于FCPX软件的基础用法以及剪辑开始前的一些准备工作就介绍的差不多了。有什么问题都可以随时给我留言。

  • 为什么招商难了?

    文/Wendy几天前,头部KOL公司蜂群传媒刷量事件一度刷爆了朋友圈。之后,微博官方宣布,已暂停蜂群传媒旗下@张雨晗YuHan 账号的商业接单功能,并表示,对于刷量行为,会依据事实和社区管理规则,对帐号做进一步处理。视频播放量几十万,进店人数毫无增长。事件主人公的淘宝店主,在与蜂群传媒对峙时,表示,与KOL合作并不是只为了曝光……指责蜂群传媒的行为,是一场有预谋的商业诈骗。我们猜测,这位主打科技产品的淘宝店主是第一次踏入“媒介”“广告”这条河,因为所有以“提升销量为目的”的营销行为,几乎都是不对销量负责的。事实,就是这么滑稽。淘宝店主几万的投入,换来的销售转化率为零,这样的例子确实很极端。但回看最近正火热进行的卫视招商活动,品牌投入上亿冠名费,最终换来的也不过是曝光量,没有卫视会对品牌的销量做出承诺。有的品牌甚至出现过,投放上亿冠名费后,销量下滑的情况。还有一些公司以“标王”身份,最终却因销量下滑,走向倒闭。在微博刷水案件中,淘宝店主面对零转化率,指责蜂群传媒的行为是一场有预谋的商业诈骗。如果按照淘宝店主的逻辑讲,火热的卫视招商活动,就可以说是每年一场场“有预谋的超级大型商业诈骗”。但市场经济下,不会永远有不对等的生意存在,也不会永远有好赚的钱。所以,淘宝店主把蜂群传媒告了,现在卫视的招商也难了。同时,一种新的能实现销量转化的营销方式正在不断得到品牌的认可。冠名,一张无法即开的彩票最近,各个卫视的招商大会,一茬接一茬,进行地如火如荼。想必在招商季,大多数网友都更关心2020年各大卫视平台将推出哪些重磅节目,热门剧集,又有哪些明星流量将成为座上宾。热闹的场面,耀眼的明星阵容,觥筹交错中,还有人关心去年各个卫视招商会上推出的那些王牌节目,今年究竟成绩如何吗?原来,一年一度的招商大会也是如此,“但见新人笑,那闻旧人哭”。在我们看来,面对卫视平台不断下滑的收视率和网络播放量,如今,品牌冠名综艺节目、电视剧剧场越来越像买了一张开彩时间很长的彩票。买的时候,冠名商一个个欢欣鼓舞,因为卖家承诺,这张“彩票”中奖率高达90%。结果,一年后开彩,却常常只有“谢谢惠顾,欢迎下次再来”。以湖南卫视刚刚收官的《中餐厅》为例。湖南卫视广告部在2018为《中餐厅》第三季招商时,对于收视率的描述如下:节目平均收视表现,全国网089,52城网0.83,同时段排名全国第一。实际上,第一季、第二季的收视率数据对于第三季节目来说,已经没有任何参照意义。最终,《中餐厅》第三季全国网平均收视率仅有0.486,59城网平均收视率为0.611。而《中餐厅》第三季仅首席合作伙伴的公开价格就高达6000万。在《中餐厅》第一季收官时,官方晒出了收官当期全国网和全国网城域的收视率数据,分别是1.06和1.27。而到第三季收官时,官微却只展示了全国网城域的平均市场份额,而没有给出收官的收视率,因为收官收视率仅有0.276。而市场份额的数字比较高,起码看起来没有那么落魄。招商的时候,卫视给出品牌的参照物为过往数据,但实际上品牌最终却是为现实数据买单。当然,由于品牌买的就是预期值,这种状况无法避免,即使赔了,这其中也有品牌自身判断能力和专业能力的问题。此外,这个过程中,品牌固化的决策思路也是其自作自受的重要原因。行业内的人都明白综N代,普遍的趋势是一代不如一代,但品牌方却往往更倾向于冠名已经具备影响力的节目。《爸爸去哪儿》第一季播出时,某感冒药品牌以2800万成交价成为了冠名商。《中国有嘻哈》第一季第一期开播时无冠名,裸播。但这两档新节目,却最终靠实力逆袭。而一旦节目火了,冠名费自然水涨船高。《爸爸去哪儿》第二季3.12亿的冠名费直接创造了湖南卫视新记录。但面对2020年的招商难,卫视、节目组似乎忘记低头看一眼下滑的收视率,抱怨起了品牌。招商 ,一场有预谋的大型商业诈骗大部分卫视平台,感受到了新媒体的冲击,却没能彻底摆正心态,依旧是一副“卫视老大哥”,高高在上的姿态。面对招商难的问题,电视台、节目组没有自我反思,而是将箭靶指向了品牌。在招商季,综艺节目制作人、商务导演纷纷开启了抱怨模式,抱怨品牌需求升级,对于明星嘉宾的咖位、流量要求高,预算却越来越少。他们觉得过往“人傻钱多”的品牌突然变脸了。当汪海林在怀念“人傻钱多”的煤老板时,综艺节目也在怀念着“人傻钱多”的品牌方。这两年的品牌确实变了,从“人傻钱多”的一个极端,走向了“钱少需求多”的另一个极端。然而,在过去几年中,多少综艺节目拿着巨额的冠名费,交出的却是惨淡的收视率。品牌对于卫视、对于节目组的信任度已被消耗殆尽。到底,是谁把这个市场做坏了?其实,卫视平台很像一个要糖吃的孩子,总是嫌弃给的糖少,交的作业多。招商时,给品牌画饼,看结果时,却只能向品牌无奈摊手。蓝月亮4亿元冠名《旋风孝子》时,这档节目几乎每一期都是同时段收视率第一;OPPO4亿元冠名《偶像来了》时,这档节目的平均收视率为2.05;伊利5亿冠名《爸爸去哪儿》第三季时,这档节目最低收视率比《中餐厅》第三季最高收视率还要高。然而,现在呢?收视率下滑,招商自然就会变难。品牌与节目本是市场环境下,两个互相依赖的共生体,如今,似乎却越来越难以实现共赢。品牌豪掷几个亿不仅仅只是为了曝光,而是期待曝光能带动销售,但如今,冠名后带来的销量转化却难以Cover高昂的冠名费。在卫视整体收视率下滑的情况下,投放前夸的天花乱坠,投放后效果堪忧,已经属于常态了。在微博刷水案件中,淘宝店主面对零转化率,指责蜂群传媒的行为是一场有预谋的商业诈骗。如果按照淘宝店主的逻辑讲,火热的卫视招商活动,就可以说是每年一场场“有预谋的超级大型商业诈骗”。当然,在卫视辉煌的时候,也曾经产生过带货王,诸如蒙牛酸酸、加多宝就因分别冠名了《超级女声》和《中国好声音》而销量大涨。但如今,面对收视率和网播量的下滑,冠名所带来销量效果转化以更快的速度在下滑。现行市场环境下,品牌方也面临着严峻的市场压力,直播带货之所以如此火爆,就是“时势造英雄”的结果。实时可见的销量转化,销售额提升,使得越来越多的品牌开始倾心于这种营销方式,不仅大量二三线明星入局直播,就连顶流代言人也要看其带货能力。2019年,上半年天猫发布了《明星带货排行榜》, 排名前十的艺人分别是:吴亦凡、易烊千玺、鹿晗、周冬雨、赵丽颖、杨幂、迪丽热巴、朱一龙、杜鹃和刘涛。其中,让人没想到的是,在直男聚集的虎扑口碑并不高的吴亦凡,竟然在带货上男女通吃,他的用户中,男性购买者达到了50%。而视频网站,也纷纷通过在播放页面插入购买链接、页面跳转、打包周边等方式为品牌提升销售额。如今,全世界都在看带货能力了,而卫视冠名、投放还执着地以提升品牌影响力为目标。这种不以带货为目的营销投放,看起来也越来越像耍流氓。结语:面对品牌销售压力增大,新媒体平台抢占资源,卫视自身创新低,收视率下降,销售转化率降低等种种现实的问题,卫视招商额下降已成必然,如今很多品牌已经在改变投放策略。我们也期待,随着技术的进步,未来观众可以在观看卫视节目的时候,实现边看边买,以缓解卫视不断增大的生存困境。(麻辣娱投原创文章,未经授权不得转载)

  • 聊聊网红品牌的建立

    没有一个品牌,不想成为硬核网红。 左手产品硬核,右手营销惊艳。 硬核网红,也是所有网红的最终归属。 越来越多客户,想打造一个硬核网红品牌。 这长文有点长,一次性讲清楚。 ~走着~ -------------------我是正文分割线-------------------------1、为什么要做硬核网红品牌?年轻人、市场流量、粉丝粘性都在催着你进化,不进则退,老品牌现在严重下滑的现状摆在眼前。1、纯靠渠道渠道为王的时代已经慢慢逝去。(仅代表个人意见,目前渠道关系还是霸道路线)很多传统品牌,面临的现状就是有用户无粉丝,消费者还在购买他的原因无非是因为渠道垄断,这就给了新兴品牌去颠覆他们的机会。2、纯靠价格年轻消费者需要的是,好吃好玩 “不贵”能装X。不贵,不代表要低价。性价比需要有,但是有价值感的性价比。低价早已不是核心竞争力。3、纯靠流量不论是外卖、点评还是二微一抖,自然流量的红利期也早慢慢流逝。流量价格居高不下,烧钱买流量的模式,只会越烧越亏。有个知名品牌企业CEO曾向我吐苦水,说商场更愿意把好的位置留给“自带流量自带传播性”的新兴品牌,并且在装修限制、物业条件上开绿灯。平台方和品牌方一样,都希望对方都自带流量,而不是一味索取。想逃离这种死循环,那就从现在开始打造硬核网红,自带流量,让用户变成粉丝,爱上你的品牌,自发选择你。2、什么是硬核网红品牌?用一句话来解释,它是一个平衡的品牌,既不完全靠营销,也以不全以产品为导向。我用一张图来解释,它是一个天秤。说的通俗一点,把品牌比做一个人,那么他既需要在职业技能(产品、运营管理)上出类拔萃,同时他还需要拥有一个“有趣灵魂”的独立人格(通俗来说,有性格有精神追求的人)。通过职业技能为它人提供专业的服务,是一个人安身立命的本事,他可能有用户,但不一定有粉丝。而通过人格魅力、性格、价值观等,再结合你在职业技能上的专业,你才会吸引到一群和你意气相投的朋友,甚至伴侣,这才是忠实粉丝。这样的品牌其实经常可以看到,只不过你忽视了。职业技能 → → → → → → → → → → → 带来用户职业技能 + 有趣的灵 → → → → → → →吸引粉丝1产品塑造是硬核网红的根本硬核网红的硬核是:“产品”基础是产品,先决条件还是产品。要想在过硬的产品力基础上,成为硬核网红。就需要全新的产品塑造能力:三性一化限量款。1、识别性:餐具、包装可视化要么将产品属性可视化,要么将品牌概念可视化。把菜品、餐具、上菜方式,用一个形象可视化是一种极好的识别记忆方式。增加菜品文化附加值、趣味度,同时也给消费者一个拍照传播的理由。三顿半咖啡,用小瓶装的超浓度深度烘焙咖啡,让消费者耳目一新的同时,也记住了这种包装方式。钟薛高雪糕,他的雪糕是瓦片状的,虽然你可能一下子看不懂品牌名啥意思,但一定能通过产品造型感受到他想传递的中式文化。2、互动性:吃喝体验上的互动年轻消费者需要的是,好吃好看好玩能装X。体验互动创新,一次性解决好玩和装X。再老的灵魂都有一颗爱玩的心,好玩的产品天然该流行。许爷剁椒鱼头,敲锣打鼓抬着轿子上鱼头。熊猫不走蛋糕,蛋糕送到后为你唱歌跳舞拍照。3、冲突性:适当的品类微创新颠覆性创新轻易不要做,微创新多尝试,在消费者心里保持新鲜感。有时候要适当的做一些尺度内的微创新,情理之中,意料之外。圆形蛋糕没什么稀奇,21CAKE把蛋糕做成方形。扁块臭豆腐没什么稀奇,他湘遇见你长沙小吃把臭豆腐做成正方体。软欧包 → 脏脏包牛排 → 纸船牛排水饺 → 墨鱼汁水饺茶 → 小罐茶跟大家常规认知略有出入,却又不突兀,情理之中,意料之外。4、标准化:可复制的标准化连锁品牌的好产品、好创意必须要标准化,要有成熟的供应链支撑,要傻瓜操作。费劲儿做出产品创意,没办法复制,就无法最大化影响消费者。不可能每次的创新都命中消费者心里,但每次都要做好批量标准化的准备。5、限量款:适当的稀缺性限量款,就像星巴克的隐藏菜单,就像耐克AJ发售门口的大排长龙的队伍,只有最忠实粉丝的才懂。你说它们是饥饿营销也罢,对普通的消费者来说,你可以不买不关注。但是对于忠实粉丝,偶尔用心的回馈,让他们在你的品牌彰显自己的偏爱,这是一种被尊重感。另一方面,限量款会为品牌带来稀缺性、新鲜感、互动感和真实感。产品塑造 → 识别性 + 互动性 + 冲突性 + 标准化 + 限量款硬核网红的产品塑造,说到底还是源于对年轻消费者的洞察。传统品牌之所以无法再吸引年轻人,就是因为洞察的不够。产品塑造的核心是对年轻人的洞察1、先明白品牌为什么要年轻化?一方面是由吃喝行业大环境决定的落后在大众消费领域,吃喝行业(餐饮为主)一直处于落后阶段。受互联网和国外文化冲击,90/95/00后的物质、精神需求升级的太快,倒逼着行业进化。矛盾年轻人和吃喝品牌之间产生了矛盾。整个行业的发展无法满足年轻消费者日益增长的对美好吃喝玩乐体验的向往。另一方面是品牌传播任务决定的年轻人是品牌增长的核心动力。他们也许不解决生意问题(钞票有限青年),但他们制造品牌影响力。只有年轻人,才愿意尝鲜,你的创新只有他们关注。只有年轻人,才懒得在家做饭,有机会消费你。只有年轻人,最擅长在社交平台上分享。2、消费升级的原因——年轻人的审美升级太多品牌没弄清,这一波持续5年之久的丝毫未停的消费升级背后的原因到底是什么?消费升级的本质原因是:年轻人审美的自我迭代。年轻人(新锐品牌)和老年人(传统品牌)之间最大的鸿沟也是:审美。这个鸿沟是可以通过洞察而逐渐消除的。审美,在以前的确是被应用于它的字面意思:对美学、艺术的感知和判断。但如今,审美是一个人对生活各个方面的品位,是一个人应对社会的综合修养。消费者对你的环境、品牌文化、用户体验、品牌表达、营销活动、摆盘、线上展示等一系列品牌触点都有不同的品位,有她自己的判断。年轻人对颜值的审美发展,经过了几个阶段:经过快速粗暴的发展后,最后将逐渐不会有统一市场的风格,会是各种风格并存的局面。我们这一代人(80后),从几乎没什么审美,到逐渐有自己判断的过程,这中间不可忽视的力量是移动互联网和VPN,让国内国外审美的差距逐渐缩小,不同的审美、文化在社交平台上互相冲击,最终让这一代人产生文化和审美自信。我从社会流行趋势的几个变迁来解释,为什么是“审美”。1、餐饮体验的变化:“相机先吃 → 综合体验”从2013、14年夏天开始全国流行“先拍照后吃饭”。到今天,不去点有特色的餐厅,没有点摄影技术和修图技巧,都不敢发朋友圈。不仅食物需要精致,整个体验流程,品牌特色也要符合年轻人的审美,你才有机会列入他们的消费list。2、看展览人群的变化:“艺术行业 → 文艺青年”记得大学时的展览里冷气格外的足,看展人群局限于艺术从业者,稀稀疏疏几乎从不排队。而现在,不管什么展览,几乎是文艺青年们的周六日日常活动。年轻人的日常生活无法满足审美享受,就产生了节假日去看展的需求。对艺术有涉猎的文艺青年,看展还能得到精神上的愉悦感,看展成了他们的一种社交货币。而这批人,也正好是朋友圈里擅长拍照修图的那批KOL。3、追星审美的变化:“白月光 → 流量小生 → 才华出众&独立人格”10年前,20年前,人们更喜欢“白月光”,完美的面孔、身段和人设,在舞台上阳光四射。观众(消费者)在逐渐具备分辨能力之后,会慢慢开始摒弃一些“脸谱化”的喜好,逐渐转向关注“有趣的灵魂和令人眼前一亮的才能”。4、大众艺术审美的变化:“大众 → 流行化的小众”你可能觉得大众的审美还没到这个地步,是的。但文艺青年(KOL)们的审美到了,是她们分享出了“更美好的生活后”,大众才会竞相模仿。消费升级的背后,KOL们的刷屏功不可没。3、大众年轻化的躯壳一方面,品牌们想迎合年轻人的喜好,但不懂年轻人为什么喜欢,哪些年轻人喜欢?另一方面,品牌们想抓住所有消费者,结果他们谁都抓不住。你会经常看到一些很尬的营销操作。你看到过很多XX品牌的slogan:XX品牌:年轻人的XX菜。XX品牌:更多年轻人喜欢的小火锅。XX品牌:更多年轻人选择喝X茶。你还看过很多没有灵魂、不成体系的酷、潮、可爱系插画;或者是写了一些很“江小白”的文案;空间中用了一些很网红的装饰(火烈鸟),或者很酷的色彩;产品颜值也做的很到位(什么火就抄什么)。除了抄袭之外,你能感受到的更多是“盲目跟风“。你有没有觉得,他们这些“年轻化”的操作,放在别的品牌里也合适吗?这跟曾经为了满足大众口味的流量小生、白月光们有什么区别?为了迎合大众年轻人去盲目进行的年轻化操作,我称之为“大众年轻化的躯壳”。这样的后果是:你的消费者就算第1次来了,第2次还是会跑去别家,会跑去那些“更大众网红“的品牌,因为你们拼的是谁更大众,从而陷入死循环。大众年轻化的躯壳=只来1次=没有个性灵魂=没有忠实粉丝。如果你想让消费者在你的品牌里多次,持续的装X,就需要找到你的核心消费者。找到核心消费者,需要先要有一个完整的定位。找到核心消费者,先要有完整定位好像说到定位就绕不开特劳特,绕不开产品差异化,绕不开品类定位,绕不开心智认知。也许正因为这种观念深入人心,导致传统品牌创新乏力。以前我们谈的定位,主要作用是区分竞争者,但是时代变了,粉丝经济时代,去他的竞争,品牌重要的是做好自己,吸引粉丝,禁止脱粉。定位解决了2个重要问题:选择和信任。它帮助消费者快速理解做出选择。你会看到大街上,商场里各种品类专门店,只要去这些店,你马上知道自己该点什么,也会相信这款产品是专业的。可选择之后呢?体验是否美好,品牌理念是否传达到了,和消费者之间有什么情感互动?这些往往是迷信定位的品牌很少去做的事儿。我们深入下去,如果商场真的都是品类专门店呢?面这一个品类里,分成:牛蛙面专门店、牛肉面专门店、辣肉面专门店、黄鱼面、手擀面、拌面…我不敢继续想下去,选择困难又一次产生了。难道消费者吃碗面,真会光以品类思考,想这么多?难道海底捞是火锅心智TOP1,你就一定天天去海底捞?肯德基出了辣卤串串,符合品类认知吗?不一定,但消费者会买。跳出吃喝行业,我们买一件短袖,一定需要找在短袖品牌销量最高,最专业的嘛?不一定,因为大家都很专业,我只想选择适合我的,好看的,凸显我的品位和气质的。消费者为什么愿意买你的产品,而不是对手的产品?就产品来说,他们需要理性的理由。就品牌来说,人们还需要情感上的联系。消费者喜欢你,她才有持续购买你的理由。定位以品类作为思考的逻辑习惯,是没错的,但它不完整,太强调理性和功用主义。硬核网红品牌的定位一定要是完整的。一个完整的定位,就像一个完整的人,品牌本身就是创始团队创造的一个“人”。一个人吸引忠实粉丝的途径不光需要有专业的职业技能,还需要具备独立人格。人是双面性的,有理性和感性的时候,对应左脑和右脑。时而理性偏多,时而感性偏多,这也造就了不同的品牌风格。理性对应的是逻辑思维、产品主义、功能利益、品类思维。感性对应的是形象、理念、情感、美学、价值观。物质、理性层面的定位大家比较容易理解,国内大部分品牌也都偏向功能利益。那精神层面的定位,怎么操作呢?这跟品牌想面向的核心消费者有关了,这一类人的共性喜好和价值观决定了品牌的精神属性。精神定位决定核心消费者是谁消费产品的可以是所有人,但消费品牌的一定是你的核心消费者(忠实粉丝)。消费者购买的是她理想中的自己。她们用购物来表达理想——“我想成为一个什么样的人?”。一个品牌,不应该谁都去满足,而应该在自己的路上一骑绝尘,才会被粉丝追随。如果您认同这一点,问题来了。如何找到品牌的核心消费者?找到品牌的核心消费者,需要满足2点:1、消费者的人群数量和市场接受度核心消费者,不能是特别小众的一类人群,可能你选择的点是小众的,但是很多人有共性的心理诉求。比如:自然派、乐天派、潮流派、呆萌派…2、创始团队的基因每个品牌都是创始团队的复刻,当然了,是需要根据市场、消费者的需求,结合团队基因做调整的。举个例子,如果创始团队都是这类人设,去运营管理一个酷潮风格的品牌,也许消费者喜欢,但创始团队一定身心疲惫。下面两位餐饮老大哥,风格就迥然不同。一个是传统大餐饮连锁基因,一个是年轻化创新基因。他们孵化的品牌也截然不同。西贝阵营:西贝莜面村、超级肉夹馍、麦香村、西贝EXPRESS、西贝酸奶吧。九毛九阵营:九毛九、太二酸菜鱼、怂串串、两颗鸡蛋煎饼。听品牌名就能感受出不同的气质。前者以传统大餐思维为主,除了主品牌西贝莜面村,但凡带有快时尚、女性、网红属性的品类,无一例外都阵亡了。后者近乎是餐饮大佬中的一朵奇葩,这年头不怕大佬资源多,就怕大佬懂年轻人。当品牌找到核心消费者后,需要进一步告诉她,你的“消费场景”告诉她,你的消费场景吃喝行业里,餐饮可能有明确的消费场景,但零售快消是需要给自己定义的。你一定听到过诸如此类的广告语:小饿小困,喝香飘飘。宇宙抗饿大品牌,谷粒多燕麦牛奶。士力架,横扫饥饿。三个完全不同的产品,竟然都想抢占“饥饿”的消费场景。如此类的还有:一人食、工作时可以喝的酒、微醺一人小酒…定向场景,就是为了让消费者在产生类似生理/心理需求的时候,最先想到你。如果说品类和产品定位解决的是“你为消费者提供什么样的特色产品”的问题,那么场景解决的就是“消费者什么时候应该用你的产品”。消费场景的核心是指向性。指向场合:聚会?商务?派对?拿酒水饮料来说,年轻朋友小聚喝江小白合适,商务看人均和档次,派对喝RIO,这是消费场合的指向。指向人群:一人食方便小火锅,一人食方便拉面。一个人的微醺小酒还是两三人的微醺小酒,在容量和瓶子大小上是有区别的,包括对应的文案、设计画面都会不同。指向情绪:一人食拉面,可能会走深夜食堂的暖心情绪。面向女生的微醺小酒,例如半晚轻酿、且听风吟、RIO微醺鸡尾酒,都是强调刻画少女心事,文艺感,青涩感。场合、人群、情绪,需要一步到位,环环相扣。当品牌定位、核心消费者、消费场景等这一系列都设定清楚了,就需要一个具备互动性的设计,将品牌设定完美的传递给消费者。互动性设计是品牌定位的完美表达设计,是品牌的最后一公里。因为审美的不断提升,导致品牌颜值的重要性,上升到了前所未有的高度。“我很忙,要不你先让我尝到你的才华(产品),要么先让我看到你的颜值,然后我再考虑,要不要继续了解你(复购)”现在的设计,真的不只是一套标准VI系统,一个标准店铺SI,一款平平无奇的包装设计。好的设计,要满足4个条件。1、符号感受华与华影响,很多创始人和设计公司对符号感的理解,仅限于“把品牌名里的某个字,拿出来,画个圈,放大”这恐怕是鬼画符…华与华做的西贝的I LOVE 莜和格子布,的确是不错的符号,但老娘舅的“舅”…太可怕了。符号感有两个作用,或者说满足这两个作用,才能被称之为符号。1、可以借力联想借的是历史上存在过的,被大众接受的文化母体的力量。比如你看到瓦片,联想到近代、中国风,无需解释。比如你看到蜡烛,联想到生日蛋糕,无需解释。比如你看到对联,联想到春节,无需解释。这就是文化母体的力量,它存在于你的记忆里,符号设计只不过帮你把记忆调动出来。2、可以造成视觉记忆或者行动指令颜色、造型、主题、包装都可以成为视觉记忆。前提是重复,不断重复在你的品牌里。这些都可以成为品牌符号。2、设计感什么是设计感,这个问题每个人有不同的答案。但基础是“情理之中,意料之外”。拿现在流行的“国潮”举例。年轻人喜欢中国传统文化吗?二八原则,部分人很喜欢,愿意看古书,旅游必去当地博物馆,研究纪录片。更多年轻人不会主动去研究,喜好随大流。那怎么才能让更多的那部分人喜欢上?给老文化化妆,包装成他们能接受的样子。传统文化加上潮流元素,情理之中,意料之外,耳目一新。这和小时候你不爱听的民族歌曲一样,歌手如果还原少数民族唱法,你听不懂,立马换台。但如果歌手将流行唱法元素将民族歌曲融合,你感觉自己能听懂了,而且耳目一新,觉得很有特色,反而有可能愿意去了解少数民族文化了。这就是设计感,不是一定要做一些你看不懂的东西才叫设计感,而是有分寸的做合适的设计。3、互动感标准化的SI,也许是快餐的需求,但绝不是硬核网红的需求。品牌设计、空间设计、包装设计,都是在设计和消费者的接触点。好看是基础,好玩是惊喜,细节是必要。4、符合整体定位品牌定位——产品研发——品牌设计——空间设计——文案——包装设计——营销推广是一件事儿,必须用同一个理念去贯穿。设计必须符合品牌整体设定,这个设定在一定时间内不建议做太多调整,先固定一段时间,让消费者对你有个初步认识。有些创始人觉得要不断推陈出新,这没错,但是一定是在你品牌的整体设定里去出新的。喜茶,有不同形象的店面、包装,但是你整体上都觉得他是喜茶,虽然有些不同,但放在喜茶里是和谐的,不突兀。一个有自己风格的抒情歌手,初次尝试唱跳,也会带着他的个人特色,这个不能丢。时时更新,品牌保鲜网红店为什么过一段时间热度降低,老品牌为什么吸引不了新顾客?因为没有时时更新自己。这个版块儿我相信不用多说,喜茶、乐乐茶、麦当劳、肯德基等第一梯队的品牌,已经交出了完美的成绩单。昨天早上看餐饮老板内参,刚好看到一片分析喜茶的文章。创始人说,年轻人喜新厌旧,那就陪他们花样百出。如果说让我们在营销和产品创新上做选择。小孩才做选择,我们(硬核网红)当然全都要。有些团队的实际情况不允许你全都实现。那一定优先做产品创新,产品上的跨界合作。坚持做好前面,品牌文化自然有经常设计完一个项目,给客户的管理层做品牌基础知识培训的时候,我都会先问一个问题。“你觉得什么是品牌?”很多朋友说品牌是一种文化,进一步问为什么说是一种文化?可能讲不清。当你坚持,克服重重困难,把你想实现的品牌特质一步步落地,逐渐开始影响一批又一批的消费者。你的品牌自然而然产生了文化。这篇文章讲述的每一个方法,都是为了最终使你的品牌成为一种文化,影响一批批的消费者,让他们爱上你,成为忠实粉丝。喜茶一开始有品牌文化吗?可能没有,但这7年时间,他做了太多颠覆行业的事儿。现在他很完整,是一个有自己独特灵魂的品牌。也许你觉得喜茶还是很年轻?OK,我们换一个。苏小柳这个品牌我们也很喜欢,不带有任何网红气质。当他专注的把“手工”这一点,坚持到极致的时候,手工就成为了他的品牌文化。多数可遗忘,偶尔特漂亮的“强力瞬间”即使你建立了品牌文化,能被消费者记住的也仅有一个强力瞬间。当我们回忆一个品牌的时候,也许买过很多次,但你记住的往往是他打动你的一瞬间。你在上海迪士尼做的最多事儿,其实是排队。但你记住的也许是游乐项目给你的绝佳体验。多数可遗忘,偶尔特漂亮。那一瞬间就是强力瞬间。本文前面的那些洞察、方法和套路,最后想达成的结果,都是为了能给消费者留下一个体验上的强力瞬间。一方面我们要设置足够多的强力瞬间。在品牌创建之初,你不可能知道大部分消费者对哪些点感兴趣,再加上每个人的兴奋点是不一样的。所以我们平时做每个项目,都会尽可能的多做一些用户体验、品牌设计上的互动点,给不同的消费者去体验。不论是产品体验上的创新,还是上面讲过的其它方面,备选库一定要够多够丰富。因为你真不知道哪一点会“炸”到你的消费者。一方面要放大和夸张处理。我的专业是影视传媒专业,大学时候,我记得老师说过这么一句话:当你想对观众传达一个情绪,你需要演出150%,他才可能感受到75%,因为在情绪传递的过程中,会因为距离的远近、声音的强弱、每个人兴奋点、接受能力的不同而大大折扣。当品牌发现自己给消费者的强力瞬间,一定要200%的放大它,才能让消费者感受到。不是所有品牌都要成为硬核网红今天我们谈打造品牌,流行的理论和方法非常多,没有任何一个方法和理论可以适应所有品牌的任何时期,如果有,我也只能笑而不语了。今天就先聊到这里了,一上午整理了一篇内容,也只是为大家提供针对年轻消费者而打造品牌的一个参考坐标,并不是一个标准答案。希望能给大家带来一些启示和启发。

  • 竟有这么多位华人都已经拿过「学生奥斯卡」了!

    10月17日,美国电影艺术与科学学院(即奥斯卡奖主办单位)揭晓了第46届学生奥斯卡奖获奖名单(Student Academy Awards)。新片场创作人源根导演的作品《大厨》 荣获了美国国内院校剧情片类银奖(Narrative | Domestic Film Schools)。也是这部作品,在今年8月底落幕的第四届NEW ERA 青年电影季主竞赛单元共获三项提名,最终源根获得最佳导演奖。学 生 奥 斯 卡 奖STUDENT ACADEMY AWARDS美国电影艺术与科学学院于1972年设立学生奥斯卡奖,旨在为全球电影新人提供一个展示自己作品的平台。所有评委来自奥斯卡评审委员会。每年一千多名来自世界各地的大学和大学电影学生作品互相角逐,分为七大类奖项:四个美国国内院校类别(动画片|纪录片|叙事片|实验短片)和三个国际院校类别(动画片|纪录片|叙事片)。历史上学生奥斯卡的获奖者包括迪斯尼、皮克斯公司的创意总监约翰·拉塞特(John Lasseter)、《怪物公司》导演皮特·道格特(Pete Docter)、《阿甘正传》的导演罗伯特·泽米吉斯(Robert Zemeckis)及著名电影导演斯派克·李(Spike Lee)。学生奥斯卡的获奖者后来有62人次获得奥斯卡奖提名,11次赢得奥斯卡奖。下面为大家介绍几位来自中国的创作人和他们的作品,这些作品都曾入围或获得学生奥斯卡奖。- 排序按照作品时间顺序 -源 根《大厨》“The Chef”46th Student Academy Awards「Narrative」Domestic Film Schools | Silver点击观看《大厨》预告片这是一部以中国餐馆为故事背景,引发对未来人工智能人文道德思考的短片。导演源根大学时到美国学习电影创作,研究生曾就读于美国电影学院 AFI 导演专业,这部短片是他的硕士毕业作品。目前,《大厨》已有多家美国公司在找源根聊,想要做一个长片的版本。他表示自己的电影生涯,也非常希望能够至少做一次超英类型的电影。“但不管是什么类型的电影,科幻也好悬疑也好,这些东西都只是一个世界观而已。真正如果你要打动人的话,还是要靠故事本身。”更多本片创作故事:用东方文化拍“黑镜”童 画《春花》“Spring Flower” 45th Student Academy Awards「Narrative」Domestic Film Schools | Gold点击观看《春花》预告片从中国传媒大学毕业后,童画赴美留学,就读于南加州大学(USC)电影学院。《春花》是童画在南加州大学电影学院电影与电视制作专业攻读研究生(MFA)的毕业作品。故事讲述了上世纪九十年代初,中国苏北地区17岁的少女春花要被家人换婚嫁给一个从未谋面、智力残障的男人,但在来自大城市的表姐影响下发奋改变自己命运的故事。谢承林《低头人生》“Life Smartphone” 44th Student Academy Awards 「Animation」International Film Schools | Gold点击观看谢承霖来自中国湖南长沙,从中央美术学院毕业后就读于美国南加州大学电影学院。《低头人生》是谢承霖在大三时期的作品。当时学校有一个课题叫“用心观察世界”,他在换了五个剧本后最终确定了《低头人生》的创作。《低头人生》用夸张的手法描绘了低头族的生活状态,以蝴蝶效应将整部短片的情节串联起来,每个低头已经低到扭曲的人,都只关注着自己掌上的方寸之地。导演的用意在于不仅仅刻画一种生活状态,更重要的是把人们的冷漠以黑色幽默的方式表现出来,比如那个见到车祸反倒是只有兴致发自拍的时尚女。杜鹏鹏《折枝》“Cage”43th Student Academy Awards「Animation」Domestic Film Schools | Nominee点击观看一部具有庄周梦蝶东方美学的动画短片,一部关于东方女性命运轮回的前卫之作,一位来自南京毕业于纽约普瑞特艺术学院(Pratt Institute)动画专业(MFA)的中国留学生,以一人之力核心创作完成了这部名为《折枝》的二维动画短片。《折枝》是杜鹏鹏的毕业作品,所以很早就开始筹备了,入学第三个学期开始做剧本和分镜,完成大概用了两年多时间。他说 Pratt 通常不会反对学生做艺术范儿的、自我中心的作品。只要你真能做出来,不管从画面上或从立意上能让教授们无话可说,他们也会接受。并不是做艺术化的就不好找工作,但毕业答辩时如果老师们不认可或是看不懂,那就很难毕业了。更多杜鹏鹏分享:中国动画《折枝》纽约诞生记洪诗婷《维奥拉》“Viola” 35th Student Academy Awards「Alternative」Domestic Film Schools | Gold点击观看洪诗婷出生于台湾台北市,本科在台湾师范大学美术系就读,而后攻读南加州大学电影学院动画学系硕士。期间她的毕业短片《维奥拉》赢得了第35届学生奥斯卡金奖,登上奥斯卡杂志封面,并获得奥斯卡提名资格。短片讲述小女孩维奥拉提起旅行箱,一步步踏上漂浮的梯子,展开一段奇幻旅程。她逐渐长大,走过生命中的阴晴风雨,初尝爱情的甜蜜与失落,直到学会跟自己的每个生命阶段相处,彷彿经历一场爱丽丝梦游仙境。洪诗婷导演专访:创作能跨越性别的限制

  • 如何制造电影感 ?「 Being Cinematic 」摄影篇之透视

    今天起早,所以想谈谈lensing(中文是⋯⋯透视?)。当然大多数人觉得镜头选择没什么好深究的,你要拍一个wide shot(远景)你就拿一个广角头,generally 35mm or less on a FF35 camera(通常在FF35相机上用35mm或者更低的镜头),如果景别紧一点的,那就用长焦,FF35相机上通常是70-135mm焦段的镜头。但 是,我总觉得在选择焦段上总还有点别的神马的。曾经问过一个老摄影师,为什么选25mm不是21mm,然后他给我的回答是“well, it depends on long years of experiences”(多年的经验所得,答了等于没答)对新手来说,以上的选择已经是很明显了。那么从下面的外景开始来看一下lensing还可以有哪些不同—--首先选择你的地平线:对于户外的拍摄,最先出现的第一个问题可能就是哪里放置你的地平线。是的,地平线就是在画面中天空和大地交接的地方。通常地平线的放置十分讲究,总体来说有三个地方可以放置地平线。On the lower third line - 下方三分之一处2. Center of the frame - 对半中间3. Upper third line - 上方三分之一处So,怎么选择?像第一种下方三分一的地方比较适合介绍环境或者大气的镜头,如果你想表现广阔的天空大地下方三分一能美丽地传达史诗级的壮阔。中间对分的情况经常用于相对平衡的构图,总是能在“有电影感”和“讲故事”之间给观众一种平衡。如果把地平线放在了上方三分一的地方,那么经常就是在强调前景里面发生的事情。例如两个人物在躲子弹或者打架之类之类。如果一定要把念台词和对话的分量也加上的话,那么还会牵涉到lens height(镜头高度)。拍摄的时候试图把你的地平线摆放进去,这样会创造出一个场景的电影感。如果你要表现你的英雄夕阳下逝去的青春,那么你的地平线就会在一个比较 低的位置。如果你拍的是车水马龙的街道,那么你的地平线比较可能会在中间。如果你拍的是醉汉被扔出酒吧开始抽西瓜刀砍人,那么你的地平线应该是在画面的上 方。选择镜头的高度:拍电影的时候除了恶心的收音,烂俗的灯光之外还屎b的被搞砸的情况,那镜头高度一定是其中没有之一:相机究竟该放在哪个高度?林林总总的高度皆在讨论范围, 包括脚架的高度,手持的高度还有dolly的高度(不包括doggie cam和摇臂的高度)。这些以后我会放在相机运动里面说。 在叙事电影的拍摄中,相机通常有四种高度可以摆放:1. Knee height(膝盖高)2. Waist height (腰高)3. Chest/Shoulder height (胸/肩膀高)4. Eye height (眼高)区分这些高度的要求,非常,严格。我们去看一部电影的时候,我们想看到我们的人物是比较高大上地跟我们讲一个故事。让人物显得高大一点有助于让观众摆脱掉现实生活,而进入一个他们相信的电影设定的世界。正常的镜头高度是胸部高度,因为如果你想拍人物的时候想把眼睛 放在三分点的话你会发现胸部高度能很容易实现。Guess what(你猜!),太多的行业边缘者(貌似很多人躺枪了)喜欢斜上45度的自拍角度,这个小小的tilt down(中文叫啥来着,放低?)不会把你的演员拍瘦,不会把你的演员拍美,不会让你的电影看起来专业,OMG(喔天啊)破坏了整个观影体验。如果拍特写摄的时候略微低角度(比胸高再低一点点),然后我们会有个轻微的仰角,那么你的演员真的就从整个荧幕上蹦出来了,观众会觉得找个庞然大物的演员好高大上,所以他们表演的角色也很高大上,说的话也很高大上。中景的时候通常都会用到腰部高度,还有群演比较多的时候也会用到这个高度。这样很容易把重要的东西放到画面的三分线上,这也是dolly的正常高度。(因为楼主个子不高,这也是我个人比较喜欢的高度)最后是膝盖高度。通常在比较广一点的景别的时候用,这样地平线可以放低很多,因为相机总是上仰的样子。这样做有一种“胁迫感(menace)”,让观众觉 得像是个小朋友打大怪兽的感觉,这样的镜头不能太长,因为观众觉得不舒服。不过仔细回想一下你看过的电影,是不是那些大反派都是这么登场的。最后关于镜头的高度和角度,我可以举一百个例子让你的相机微微仰着拍,也可以举一百个例子让你的相机完全处于水平状态。但是我只能举出几个例子你的相机得略 微朝下(tilt down),一个是high angle(特意的高角度)和POV(主观视角)。其它之外,把你的相机架低一点不要tilt down(摁低),你会惊奇原来制造电影感是那么tricky(狡诈)也那么简单。Shooting clean(拍原片) vs. filtering(用滤镜)这里我只能浅薄地讲一下自己的见解。我个人倾向于视情况而定。原 片的意思就是只用ND(灰度镜片)或者偏振镜。很多人拍的时候并不是十分清楚后期到底要处理成什么效果,所以拍摄的时候要给后期留空间,包括留空间可以后 期裁剪,还有相机前面除了镜头之外的镜片越少越好。如果你要用滤镜,确定你知道为什么要用它和它的作用,如果连80A和85B是什么都不知道那么我劝你还 是放弃吧。如果你十分清楚你要的影像效果,那么有些滤镜会有很好玩的效果。我不是十分建议用颜色 filter(滤镜),在大达芬奇横行的今天,连皮都可以磨磨没什么是后期不可能的。但是有些滤镜的特殊效果例如soft filter, pro-mist filter, glimmer glass, streak filter, 天芬的digital diffusion和施耐德digicon效果都很不错。关于net,black net,fogal,dior net等等等等……有一种很年代久远的感觉,某些特殊场景可以一玩:)New glass(新的镜片) vs. old glass(旧的镜片)年份比较新的镜头成像比较锐利,颜色饱满,对比也比较明显。比较旧的玻璃成像没有那么饱和,对比也没有那么高。不同的牌子和镜头因为造的年份和石英品质不不 同会有各种各样的成像,例如有些对的焦没有那么实,有些比较泛红有些会泛绿,有些的锐度高,这些选择都因人而异。选你喜欢的。

  • 想要畅游釜山国际电影节,你都需要准备什么?

    小编作为京都传媒的创始人兼特约记者,这可是首次参加国际电影节。作为一个忠实的电影人,从小就在电视机前观看各种电影节和颁奖晚会。虽然曾未直接参加过国际电影节,但是从小耳濡目染,对各个环节了如指掌,曾不止一次的默默地准备着各种获奖感言,写到此处,是不是需要给自己一个大大的赞;吾言“秣马厉兵,只待风归兮。”下图为本届电影节海报。接下来就跟着小编走进釜山国际电影节,畅游你所不知道的影坛盛宴之台前幕后。2019年,釜山国际电影节迎来了自己的24岁生日,暨第24届釜山国际电影节,于10月3日至12日举行,开幕式为10月3日,闭幕式为10月12日。开幕式前通常会在釜山海云台电影殿堂和南浦洞BIFF广场举行“前夜祭”(就是电影节前夜的“暖场活动”)以下图片为第24届釜山国际电影节前夜祭。前夜祭和开幕式的关系很微妙,小编就给大家普及一下它的历史。釜山国际电影节创办于1996年,当时是在釜山南浦洞举办的,也就是现在前夜祭的举办地,并且一直作为主会场举办BIFF官方活动至2004年第8届;随后于2005年迁至位于海云台的电影殿堂,而南浦洞会场则被作为釜山国际电影节永久性纪念广场——BIFF广场。前夜祭时这里热闹非凡,有釜山国际电影节理事会成员、釜山市市长、电影振兴委员会委员长等出席该活动,同时邀请很多明星、爱豆们来热场。这里是在开放的广场、街道举行,因此比起次日的开幕式的正式,可以说是非常亲民又互动的,应该说这是给釜山市民和影迷游客的福利吧。但是很遗憾,今年因台风‘米娜’而致使准备很长时间的开幕式前夜祭活动被迫全部取消;当时所有人甚至担心开幕式会不会受影响,主办方和所有受邀嘉宾直到10月2日中午才得到气象台的最终确认,官方这才发布消息,第24届釜山国际电影节开幕式如期举行。这让小编一直悬着的心也终于落地,要知道23届BIFF开幕式小编也在担心台风是否会影响开幕式举行,幸好最终无大碍。但前夜祭的取消着实让人有些失望,怅怅然的小编和几位同事去了海云台海边酒吧吹着海风(台风过境时大概6~7级)喝了几斤烧酒。看着垂落的广告牌和一地落叶枯枝,心中不禁祈祷明天天气稍微好些。席间,有人说起自从BIFF李庸观理事长上任以来的几届釜山国际电影节都是伴随台风天气,这可能与他属龙有关。受邀组委会来的《敦煌不了情》剧组导演郭宜林直接就拍桌子了“一派胡言,无稽之谈!这几年韩国9~10月间台风就不断,跟理事长属什么简直就是风马牛不相及!”,那人马上澄清也是道听途说来的。酒后,悻悻回到酒店睡下。在这里小编顺便给大家普及一下韩国的酒店,这可是和国内大不相同,他们所谓的标准间,其实就是复式酒店,进入以后,一楼有一个大床,紧跟着走上楼梯是一个小型的迷你床。房间虽然空间不像中国酒店房间那么大,但是设施齐全,空调、冰箱、洗衣机、微波炉、厨具,应有尽有,简直就是一个温馨小家。推开窗户就可以享受大海的涛声视觉,滚滚的海水时不时的蔓延到沙滩上,这可是国人梦寐以求的海景房。躺在床上,闭目养神,伴随着海浪声,宛如漂浮在大海中央,“遂破而流”。10月3日早,小编与一位韩国朋友吃过早饭(河豚——来釜山必吃),就匆匆去了电影殿堂查看主会场布置情况,这里作为釜山国际电影节开·闭幕式的主会场,见证过无数感人的瞬间和精彩时刻。因前一天的台风,之前早已装修完毕的会场不得不在台风来临之前全部拆除,在台风离开后重新装修。听说,工人们从凌晨就开始紧锣密鼓地忙了好一阵子了,因为留给所有人的时间不过6~7个小时,在这里给大家普及一下时差,中国时间属于东八区,韩国时间是东九区来计算,所以韩国时间比中国时间快1小时。下午2点之前必须完成最终彩排。因为我们想看的展示空间还没有准备出来,所以只能提前返回酒店,等待傍晚时分参加开幕式了。回到酒店后,我在Naver新闻、油管和INS上不断地找着今晚开幕式的相关信息,CommunityBIFF和BIFF FilmMarket的两个号是我在BIFF官网以外获得最多信息的地方。我们陆续收到与中国方面嘉宾的确认信息,因台风天气他们不得不改签航班,最终原定飞至釜山或大邱的航班全部改飞仁川或金浦机场,抵达后须乘KTX(就是韩国版的高铁)前往釜山。因此,给组委会也是极大压力,需要协调时间和车辆等,还好最终绝大多数人都赶在开幕式前抵达了釜山,来到了电影殿堂。因为主办方对入场时间要求非常严苛,一般观众入场时间为16:30~17:30,一般嘉宾为16:30~18:00,红毯VIP嘉宾则是18:00~18:30,开幕人主持人通常是嘉宾中最后入场的。以往开幕式是一个小时,但今年因台风天气缩短至了30分钟。按照日程安排,我们的巴士16:30从酒店出发,17点到达了主会场,以往一般嘉宾和VIP嘉宾都是可以从一个入口进入,然后分流。但今年却只有VIP嘉宾才能走双锥塔入口(上照片),电影殿堂的Dropzone(VIP嘉宾红毯泊车点),当时红毯两侧的记者早已长枪短炮各就各位,只待今晚明星们红毯亮相。今年又有哪些嘉宾呢?我们只好绕道4号门,下图中的入口入场。入场时,一般观众席已经快坐满了,我们找到我们的席位后,视野还不错,虽然比起去年稍微远点,但可以俯视全场。我们本次首尔北京人株式会社邀请的檀国大学的嘉宾和中方嘉宾全部落席后不久,红毯仪式也就开始了。这应该是当晚的高光时刻。各位看官觉得韩国影星整体颜值还如何呢?觉得当晚谁的颜值或造型最佳呢?韩国各大电台和社交平台当晚就开始评选今年红毯最靓人物了。后来听说当晚INS上面涨粉最快的就是下面这位了。看官觉得如何呢?韩国媒体做了直观比较,来上图说话;这三位分别是今年韩国票房冠军《极限职业》女一号李荷妮。今年获戛纳电影节金棕榈奖《寄生虫》女二号赵茹珍,今年暑期热门影片《极限逃生》中女一号林允儿。我个人觉得所有人都很好啊,不过论坛上大家的讨论完全就是林允儿压倒性的胜出,那我们再上几张照片。话说这次还有不少中国嘉宾,当然也包括我们中国事业部邀请的中国嘉宾,其中有一些还走上红毯。好了言归正传,电影节嘛!看红毯明星当然不(chong)是正题,电影殿堂户外剧场5000多个座位座无虚席,所有嘉宾入场之后,主持人李荷妮和郑雨盛两人登台,做了开场白。开幕式正式开始。每年开幕式都以“一曲一舞”开始,记得去年是以日本东京艺大教授、音乐人坂本龙一的钢琴曲奏响开幕式序章(他获得了你知道的几乎所有知名电影节的音乐奖项,如《末代皇帝》《子猫物语》《南山汉城》《怒》等,感兴趣小伙伴可以去听一听),那么今年则是以天籁般的儿童合唱团开启了“催泪模式”,现场听真的不一样。听过这个曲子后,在我还等“一曲一舞”中“一舞”时(后来得知因台风天气,以往1小时的开幕式被压缩至30分钟。说实话,小编对这些环节也没多大兴趣,时间短点儿也好,主持人已经开始邀请釜山国际电影节理事会及韩国电影振兴会委员长等人上台颁发年度韩国电影功勋奖,同时公布了本次釜山国际电影节主竞赛单元的评审委员会成员了。话说今年的开幕式作品《盗马贼-时间之路》稍早前就传出是本届釜山国际电影节竞赛单元“新浪潮奖”热门候选,还被选为开幕式作品。虽然是电影殿堂的户外剧场,但不论是投放、音响、字幕等效果可以说没有瑕疵,有英、韩双语字幕。影片开头交代了时间、地点,随后故事徐徐展开,影片发生在哈萨克斯坦的牧区。说实话,对来自内蒙古的小编而言有特别强的代入感,影片中对白不多,演员们的演技扎实、生动,举手投足间情感自然流露、不做作。摄影导演的镜头语言也可以说是非常上乘,交代地恰到好处、不拖泥带水,几组长镜头堪称完美。看完开幕作品之后,手握VIP票的吾辈就要前去电影节官方招待会(冷餐会形式)了。原定在釜山国际电影节Main Hotel的海云台Grand Hotel召开的招待会,却因GrandHotel的厨房因劳资纠纷于前一天罢工(就是要跟万恶的资本家“斗智斗勇”),不得不转至Paradise Hotel举行(安利一下这家酒店合法经营并向外国人开放酒店赌场,可别问小编是怎么知道的哦)比起开幕式全场5000人,这里就要少得多,大概只有200余人,大多是各大国际电影节组委会主席理事、电影制片方、电影购片方、导演、演艺人士、政商界代表、评论界、媒体界人士等(当然还有像小编我这种凑热闹的^^)。小编在此再遇到了不少去年结识的人士,比如法国沃苏勒亚洲国际电影节主席及其夫人、Dragon国际电影节主席、以色列国际电影节理事、菲律宾国际电影节主席。当然全场最吸睛的还是一线明星啦。吹着海风、听着柔和的小提琴钢琴协奏曲,在舒缓的氛围下,所有人都很放松,大家分享着开幕上的见闻和对开幕影片的看法,或是交流自己近期作品、或是邀请彼此参加各自电影节或活动,我甚至还没吃什么东西,时间就在跟周边人推杯换盏间匆匆流过。入夜,人们渐渐散去,或是三五成群再小酌几杯、或是去海边放烟火、或是继续参加其他派对,总之当夜的海云台是电影人的邂逅、影迷的狂欢、久久回味的记忆!说说这次电影节期间上映的电影吧,说实话,所有热门电影观影票几乎在开幕式之前都已售罄,因此,小伙伴们若观影必须提前上官网预定。此外,VIP嘉宾有额外的票务配额,因此可以提前跟相关方说明本人想看哪些场次电影。本届釜山国际电影节为10月3日—12日举行,共放映来自85个国家的299部电影,其中有145部影片在电影节上进行全球首映和国际首映,包括118部全球首映(95部长片和23部短片),27部国际首映(26部长片,1部短片)可谓精彩纷呈,其中也包括上映过而国内小伙伴很想看的《杀人记忆》、《寄生虫》(今年戛纳大奖获奖影片,可参考豆瓣影评)等电影。金手印永久纪念,有北野武、黑泽明、徐克、张艺谋导演手印于1999.10.22日等,多在南浦洞BIFF广场和电影殿堂举行。小编跟随组委会的安排,游览了釜山电影博物馆、电影一条街、玻璃栈道、文化村、海云台港口等众多景点。真实体验了一番韩国风情。关于按“金手印”的郑一成是谁以及他的影片,小伙伴们可以去看豆瓣看一看!关于李炳宪执导,柳城龙、李东辉、李荷妮、陈善奎、孔明出演的《极限职业》这部570万人民币制作的喜剧片,最终以8亿2000万人民币成为韩国历代电影票房冠军。这部由高勋导演执导,安圣基、金彗星等人出演。毕业于韩国外国语大学的安圣基被小伙伴们所熟知的电影应该有不少吧,《实尾岛》《华丽的休假》等甚至吸引了当年总统金大中和卢武铉亲自前往影院观看,他作为韩国老戏骨这次又给大家带来什么样的影片,请大家也可以找找资源。还有本次电影节因韩国电影百周年纪念,因此有很多经典老片回顾展及影人粉丝见面等活动。如韩国2010年由林常树执导、李政宰和全度妍出演的情色片《下女》曾获戛纳电影节最佳影片提名,但其实原版是由金绮泳导演1960年拍摄的韩国电影史上的一部经典影片。(畹风的好日子中安圣基年轻吧,而这是他近40年前的影片了,他凭借该片获最佳新人奖,此后走向人生巅峰。)说起电影《老男孩》,关注亚洲电影的小伙伴们应该很少有没看过该片的吧?该片是由著名导演朴赞郁执导,三驾马车之一崔岷植及刘志太、姜惠贞主演的惊悚电影(细思极恐型)。这次回顾及Special Talk应该有不少影评人和影迷向朴导演发问吧?看一张剧照电影为本届电影节闭幕影片《致允熙》。除了开·闭幕式以外,组委会下属子单元举办相关活动。具体而言,主要由Community BIFF、亚洲电影市场、亚洲电影学院、亚洲电影大奖学院等子单元举办各类规模的颁奖、互动、纪念等活动,如亚洲电影大奖学院招待会、南浦洞纪念活动、釜山电影体验博物馆纪念活动、网络影视庆典活动、亚洲内容大奖颁奖仪式等一些列活动。导演郭宜林凭借电影《敦煌不了情》斩获网络影视盛典最佳导演;这也是小编本次携带的作品哦,由本公司中视星锐摄制出品。雷佳音凭借在《长安十二时辰》中的出色表现,摘得最佳男演员奖;姚晨凭借对《都挺好》中苏明玉的真情诠释,获得最佳女演员奖。Angelababy作为颁奖嘉宾出席了本次亚洲单元颁奖盛典。开闭幕影片均选自两位来自新浪潮单元的导演,这在釜山国际电影节也实属首次,展示了电影节在发掘亚洲潜力新导演方面取得的不斐成绩。值得一提的是,《致允熙》影片的前身是一个独立的项目,后来在亚洲电影基金——专项拍摄资金的资助下改编成电影。电影节新设单元——“Icons”单元面向全世界征集标志性电影导演的最新作品,不设地区分类,强调关注导演和作品本身。此外,“动画展映单元”和“Cinekids奖”等小单元被整合进“亚洲电影之窗”以及“世界电影”单元。世界电影内分设的“未来景象”单元将选取13部叙事长片角逐最受观众欢迎大奖,展现影片在观众心中的受欢迎程度和地位。本届釜山国际电影节“Icons”单元强调选择与专注,一改往届影片选取的随意性。聚焦三位亚洲杰出女性电影人,“凝视与记忆——亚洲杰出女性电影人”聚焦三位杰出女性导演,她们是来自印度的迪帕·梅塔导演、来自马来西亚的雅丝敏·阿莫导演以及来自越南的郑明河导演。该单元让我们有机会追忆亚洲现有女性导演的生活,并从中得到启示。此外,我们还能探究女性电影的“前世今生”,并对女性电影的未来做出展望。韩国电影百年,十部伟大杰作。此次电影节恰逢韩国电影产业100周年,许多组织的纪念韩国电影100周年特别活动正在紧锣密鼓地展开。第二十四届釜山国际电影节将上映10部最具历史意义的经典影片,这些影片由委员会成员选出,非常具有公信力。电影节期间,将举办各类研讨和座谈会。该部分还将推出专场活动,以庆祝和纪念韩国电影走过的百年发展史。亚洲综合内容市场的全新飞跃,覆盖电影到广播等多种内容;今年,亚洲电影市场将迈出新的一步,实现韩国和亚洲广播产业新拓展,覆盖传统电影、出版、网漫等多种内容。新设的“Asia Contents”聚焦亚洲精品戏剧制作人、制片人、作家和演员,包括东盟10个成员国。该项奖项的设立,将帮助提升亚洲广播内容和广播行业的质量,同时业界专业人士亦有机会拓宽网络并发掘新的人才。随着“一源多用”(OSMU)和跨媒体的重要性与日俱增,娱乐知识产权市场(E-IP市场)将首次亮相亚洲IP展,为观众呈现日本和中国台湾的电影、电视剧和网络系列作品。此外,E-IP市场将邀请来自不同媒体领域的行业伙伴,合力打造挖掘原创作品的实用交易区。釜山国际电影节一直致力于打造此类深度研讨平台,并将其作为核心使命之一。今年,电影节在延续和加强往届论坛的基础上,全新推出BIFF论坛板块。釜山国际电影节期间,将同期举办庆祝韩国电影100周年论坛以及南亚和东南亚电影论坛,汇聚来自世界各地的电影人、学者和影评人,参与由各类电影相关机构组织的系列互动论坛。观众们将有机会交流拓展业务关系,并学习电影制作知识。电影节番外篇:韩国的街道小景,偶遇孤独的车站;这场景是不是电影中出现的,或许这就是韩国的生活方式,一杯饮料加一个女孩,就构成了一个故事,吸引了一个回忆故事的路边人,统称“忆中人”。

  • 用“血的教训”告诉你,怎么样维护和保养相机存储卡

    在小编的拍摄史上发生过两次因存储卡问题而发生的事故,一次是从相机取出卡插入笔记本电脑读取,结果读不出任何数据,并要求格式化,险些丢了卡中全部图片,后来通过数据恢复找回。还有一次拍鸟高速连拍导致相机死机,这其实是存储卡写入速度太慢的缘故。对于数码摄影而言,存储卡是数码相机上非常重要的附件,必须精心保护。对存储卡漫不经心的使用、处理,可能会导致存储卡上的信息丢失,甚至损坏存储卡。因此,我们必须注意存储卡的维护和保养。1、不要热插拔开机状态下,数码产品有可能正在处理或保存数据。如果不关闭相机的情况下插卡或取卡,很容易造成数码产品损坏或数据丢失。2、插卡要到位插卡的时候用力要均匀,且插卡要注意方位,对某一类型的存储卡,只能以指定方位装入数码相机。如装入CF卡时,必须等到相机上的存储卡释放键弹出为止。装入后要确保关好开关。3、取出要小心长时间不使用数码产品时,应将存储卡取出。对于那种只有按下释放键才能取出的存储卡,取卡时要特别小心,因为卡很容易弹出来,要避免掉在地上。4、勤转移数据当数码相机、摄像机存储卡中的数据装满后,应尽早将里面的数据转存到电脑或存储硬盘上,以减少由于存储卡损坏而造成数据丢失的风险。5、谨慎格式化格式化存储卡时不要打开数码相机上的存储卡仓的仓盖,不要关闭数码相机,也不要在计算机上格式化存储卡。另外,过多地格式化对存储卡会有一定的损害。6、工作防震动当存储卡在工作时,过大的震动有可能会造成数据错误或丢失。7、避免在“三高”环境下使用和存放避免在高磁、高温、高湿度环境下使用和存放,具体来说就是不要将存储卡置于高温或直射阳光下,且要避开静电、磁场等环境。8、收藏防重压不要对存储卡施以重压,不弯曲存储卡,避免存储卡掉落和受撞击。有些用户取出存储卡后会随意放置,比如塞在钱包中,这很容易使存储卡因受到外力而变形,甚至折断。最好将存储卡放在抗静电袋中或者专用的存储盒中进行妥善保管。9、不要在相机内编辑照片处理拍完照片之后,最好不要在存储卡上直接编辑影像数据,应该把数据传到硬盘上再进行编辑,这样可以延长存储卡的使用寿命。以上几点就是相机存储卡维护和保养小贴士,希望能给大家带来帮助!

  • 变态级制作!《双子杀手》牛杯CG技术全面解析

    文/Mike Seymour、Ian Failes编译整理原创内容/CG世界 上一次听到扑朔迷离的故事情节还是在几年前的宫斗剧中,“皇后杀了皇后”“姐姐追着姐姐”。是的,今天的话题和“自己追杀自己”的威尔·史密斯有关。电影《双子杀手》进行了一场关于“我是谁、我在哪、我为什么要打我自己”的人性拷问,值得观众贡献票房的理由有很多,导演李安、主演威尔·史密斯、3D+4K+120帧、青年的自己和中年的自己打架、影视首个100%数字化真人角色等等。很显然,影片中出现的那位23岁的威尔·史密斯(剧中角色Junior)并不是导演玩穿越的时候给抓来的,而是依靠现在强大的视觉效果(李安导演说应该称其为“视觉艺术”)技术制作出来的。 从1997年的《黑衣人》、2001年的《拳王阿里》,到2007年的《我是传奇》、2013年的《重返地球》,再到前段时间的《阿拉丁》,大荧幕前的观众见证了威尔·史密斯的不断成熟和变化。该如何创建一个既真实还原本人、又符合观众心理认知的年轻角色,是《双子杀手》所面临的一大挑战,而李安导演再一次在CG技术上实现了登峰造极的艺术效果。 接下来,「CG世界」就带大家了解一下国际顶级团队的艺术家们是如何制作《双子杀手》中年轻的威尔·史密斯Junior的。01制作团队 参与这部电影制作的VFX团队有Weta Digital、Scanline VFX、East Side Effects和UPP,其中Weta Digital完成了和Junior相关的全部任务。 Weta在很多漫威影片中都成功塑造了de-aged角色(比如年轻的弗瑞局长、寇森和托尼),这次他们没有“旧瓶装新酒”,而是整出了一个完全数字化的角色,以逼真的效果、极高的渲染细节和干脆利落充满力道的角色表现刷新了创建数字人类的新标准。02拍摄及动捕阶段制作前期,Weta 团队在USC ICT Light stage上对威尔·史密斯进行了非常细致的扫描(就连牙齿也没放过),获取了一系列照片素材和turntables(简单理解为360°旋转展示),创建了和本人极为相似的数字版本,为下一步工作做铺垫。还扫描了一位23岁非裔美国演员的皮肤纹理用作素材参考(只是参考年轻人的皮肤状态,不涉及他的面部结构)。 ▲设备展示,图片来自网络在整个电影拍摄阶段,Weta先后分三次拍摄了威尔·史密斯的参考素材,第一次是在准备前期,第二次是在影片开拍时(并进行了FACS面部动作编码系统操作),第三次是在影片拍摄尾声。 现场拍摄采用A/B方式,威尔·史密斯扮演51岁的特工亨利出镜,另一位演员扮演23岁的Junior与他搭戏,之后再进行调换。通过这样的方式,表演者能够对对手的表演做出反应,与对手产生互动和眼神上的交集,相互匹配,从而获得协调同步的表演。 影片拍摄即将结束、后期制作即将开始的时候,Weta团队协助影片制作团队建立了mo-cap(动作捕捉)舞台来捕捉A/B表演。这次两人饰演的角色对调,威尔·史密斯佩戴动捕装置扮演Junior,另一位演员扮演的亨利,其他重要角色演员也会在舞台上再次进行表演,为的是营造出真实全面的表演环境。 二次拍摄结束之后会选取效果最好的一个take,录制威尔·史密斯第二次表演的声音,再将所有音频进行同步。 (为了不给大家造成绕口令般的困扰,下文中“威尔·史密斯”用“W.S”代替,“23岁的威尔·史密斯”用“Junior”来代替。) 03换头 vs CG角色对电影行业稍微有些了解的人都知道“换头”这事。说到面部替换,小编想到了《银翼杀手2049》和《金刚狼3》。在《银翼杀手2049》中,MPC用CG手段将扮演Rachael的女演员肖恩·杨还原成年轻时的容貌,面部还是肖恩的面部,身体表演是另一位演员,在《金刚狼3》汽车追击片段中开车的也不是狼叔本人。虽然都是“换头”,《双子杀手》用到的技术手段和前面二者不太一样。 在“什么时候换头”和“什么时候用CG角色”的问题上,Weta团队始终认为表演才是关键核心,身体是表演的一部分,不能把W.S的头部换到别人身上,不然表演是分裂的。当他以亨利的身份出现在镜头中的时候,Junior就必须是动捕的数字化角色。 动捕时,会在W.S脸上设置精确跟踪点,头部佩戴红外摄像机装置(HMC),背后衣服下面隐藏的小型电池为这个装置提供电量,透过服装能看到他背心上离散的红外光点,用来跟踪他的身体。动捕过程采用了同时捕捉面部和身体的方式(包括肩膀在内),能非常完美地跟踪头部,使之和肩膀匹配到一起。 当然有这么两种特殊情况可以采用“换头”技术。第一种,镜头中只出现Junior,也就是W.S有空扮演23岁的自己,身体是镜头表现的重点,为了节省制作时间,可以给他换头(身体还是W.S的);第二种,特技表演。比如有一个二人在1英尺宽度墙壁上以50英里/小时骑摩托车的镜头(点击视频观看),很显然W.S没法完成高速飙车表演,这些镜头大部分是特技演员的身体。也有例外,Junior的特技骑手的身形比Junior要瘦小,因此替换是以腰部位置为分界线的。04面部CG 为了创建数字角色Junior,Weta先制作了W.S的数字副本,只有与本人精确匹配之后,才能将他的表演重定向到年轻数字角色上。 前面我们提到了影片开拍时进行了FACS Session来研究W.S的一系列表情和动作。在此过程中,依靠W.S脸上涂的白色印记和标记点为摄影测量提供帮助,得到了一组网格动画。 上图是W.S正在进行FACS Session时的照片,为了将表情重新映射到Junior脸上,需要为其制作极为精细的面部动画,带有23岁年轻人应该有的皮肤纹理。 根据以往项目经验来看,想要获得演员皮肤细节,在拍摄参考素材之后会为演员创建石膏模型,根据模型制作乳胶面具,放到平面扫描仪上进行扫描,获取毛孔排列方式,从而得到面部纹理效果。但这种2d方式得到的毛孔形状有个问题:不完美。 这次,除了之前扫描得到的23岁非裔演员皮肤纹理,Weta一位着色器编写人员发现了富有创造性的新方法---程序性毛孔系统。利用复杂规则使Junior脸上的毛孔生长,开发出定义年轻演员皮肤流向的流场,不同毛孔连接起来得到椭圆形毛孔,从毛孔层次产生令人信服的皮肤效果。 CG:流场控制毛孔走向 咱们来看这些CG Junior的图像,毛孔位置用点来表示,不规则毛孔之间的线形成了面部皱纹,颜色越深的地方皱纹就会越重,流方向偏向颜色深的部分,而椭圆形也是从颜色深的部分形成的。还有一些看上去很小的线也很重要,因为面部褶皱是多向的,细小部分不能忽略。 这个高分辨率的人脸上拥有数百万个毛孔多边形网格,通过四面体模拟运行,随着面部产生收缩、压缩和拉伸等运动,毛孔会沿着适当的流线弯曲,从而形成Junior脸上的各种细纹。这种新方法代替了以往扫描演员皮肤获得乳胶面具来模拟平面2D UV空间的方式,实现了毛孔的3D生长,保留了2D方式丢失掉的细节,达到了前所未有的面部皮肤效果。 05数字眼部 Weta团队改进了他们原有的复杂数字眼部流程,对6位志愿者进行了一天的眼部研究,用手拉动眼睑或是尽可能多地拍摄眼部素材。他们发现CG眼睛之所以有时候做得很像洋娃娃和布偶,是因为没有正确处理眼睑和眼睛之间的交互方式。 他们改变了之前对于眼睑和眼睛表面匹配的假设方式,认为眼睑像是作用于眼球上的一个表面面,二者是分开的,眼皮里面非常柔软,像是鱼肉贴在眼睛上的感觉,压紧眼睛并且支撑眼睑。 Weta原有流程可以对眼角膜、角膜隆起的部分、虹膜等组织进行建模,这次在原有基础上又匹配了脉络膜。 脉络膜是位于视网膜和巩膜之间含有结缔组织的眼睛血管层,位于眼球内后部最远的位置,前部比较薄,约0.1毫米,后部较厚,约0.2毫米。虽然医学文献中总将脉络膜描述为黑色,但Weta团队发现其核心是非常非常深的蓝色,不同文化不同种族的人所拥有的这种黑色素含量不同,总之就是他们在对这些组织进行建模之前,进行了深入的了解和研究。 另外一个重要任务就是调整眼球的形状。在以往的项目制作中Weta都会选择“球形”眼球,但是他们发现当眼球推入眼窝时,为了适应眼窝形状眼球会发生变形,而且眼窝也并不是非常完美的球形。也就是说,眼球会出现角的结构以填充眼角的位置。 Weta对结膜结构也进行了建模。结膜是位于角膜上的一层薄膜,一直延伸到角膜凸起的边缘并与之相连接,可以保持眼睛湿润。他们发现W.S眼角泛黄是发生在结膜位置上的,如果直接将其映射到眼睛上,当眼睛转向另一个方向,它会随着眼睛滑动。但真实情况下是不会滑动的,只停在眼角的位置。 在解决了看似细小但是非常复杂的特征问题之后制作出来的CG眼睛,才不会让人感觉目光空洞两眼呆滞。 06数字牙齿 尽管数字Junior角色的形象看起来已经很不错了,Weta团队还是在尽力寻找可以提升效果的空间。 早期他们打算根据表情和摄影参考对牙齿进行建模,来匹配W.S从黄色过渡到略带蓝色的牙齿,效果单从颜色上看就不太令人满意。在之前的项目中Weta也创建过非常复杂的牙齿模型,但为演员的牙齿内部进行建模还是头一次,这里面涉及到了牙釉质和牙本质的问题。 通过研究发现,牙本质是黄色的,牙釉质是蓝色的,都是非常透光的材料,牙冠最高位置接近于白色。牙冠的牙釉质要比牙本质多,因此我们看到的颜色倾向于蓝色,而牙齿中心的牙本质比牙釉质厚,颜色就倾向于黄色。 Weta团队在研究了牙齿结构之后,对演员牙齿的牙本质和牙釉质两个结构分别进行建模并添加了合适的材质,获得了从黄色过渡到蓝色的复杂色彩关系,才有了看上去特别逼真的Junior的牙齿。 07灯光 先来介绍一下Mannuka。Manuka是Weta Digital基于物理的渲染器,可以高效、快速地处理复杂需求,《霍比特人3:五军之战》就用到了它。为了更好地适应Spectral Manuka工作流程,Weta团队对拍摄现场的每一盏灯进行了扫描和捕捉,得到了准确的光谱信息,并使用滤镜制作了一组双包围曝光(Bracketing)的HDRs,将标准12stops的灯光射程扩展到24stops。 PS:摄影包围曝光可以帮助我们拍摄高对比度场景,是一种克服技术限制、创建自然图像效果的简易拍摄方式。 在创建Junior面部效果的时候,他们并没有采取在ICT Light Stage上进行光谱采样的方式,而是用黑色素来定义皮肤,其中包括真黑色素和类黑色素。通过渲染器了解到“什么时候光会照到皮肤”“黑色素密度在哪里”“黑色素的特征是什么”等信息,然后对黑色素进行光谱数学运算,这个过程就类似于做染色而不是色彩贴图。 通过黑色素密度和特征数据渲染出我们看到的面部特征。再加上血红蛋白的重新分配,可以有效地增加Junior脸上的血液流向(比如和他父亲面对面的那一段)。这种创建方式不仅影响了脸部的整体颜色,对鼻子和眼睛的影响也很大。此外,创建Junior流泪时眼睛泛红的效果,只要加重血管来改变眼睛的颜色就可以了。 这部分还用到了Weta Digital开发的新技术Deep Shapes,在《复仇者联盟4:终局之战》中也用过。面部肌肉运动的深度是不同的,如果肌肉运动所产生的影响是在筋膜里,在面部表层皮肤也会呈现出某种明显的效果改变。Deep Shapes正是基于这种概念研发出来的,它从根本上改变了深度面部层读取表情的方式,动画师可以直接从皮肤表层看出影响效果。 在了解了Weta是如何制作Junior的皮肤、眼睛和牙齿之后,我们再来分享一些制作过程中很有趣的事情。 08Pepsi 挑战 制作团队采用了一种叫做“Pepsi 挑战”的方法来检查CG Junior的效果对不对。首先从W.S演过的标志性经典角色照片中选出4张与CG Junior混在一起,辨别哪个是什么电影里的什么角色,不断调整顺序,直到让人无法辨认出哪一个是数字角色为止。 他们选取了《绝地战警》中W.S和马丁·劳伦斯在车里对话的场景,在将近30几个切来切去的镜头中选出了2个W.S的镜头进行抠像,用Junior替换了原来的角色,其他包括声音、表演等等一切都是相同不变的,再把这两个镜头放到原场景中,让观众去找哪两个镜头是替换过的,说实话很难辨别出来。只有通过这样的方式才能保证制作方向是正确的,使团队内部对创作充满信心,毕竟CG角色,不是认为像就可以,必须要经历一些测试来验证。 09混乱打斗 电影中有一段W.S和Junior打斗序列,制作团队称之为“messy fighting”(混乱打斗?),现场拍摄时由两位特技演员按照事先卡好的时间和编好的动作进行打斗表演。经过多年来的工作和锻炼,他们可以很好地把动作表现成真实打斗。但在这部影片中,120fps会暴露他们是在套招而并非打架。团队采取了“messy fighting”的方式,打破设计好的动作,打乱时间,提升打斗氛围,来保证镜头效果的真实性。 从制作角度来说,数字化的打斗是非常快的,既要改变发生的时间、速度,又要演员降低表演的感觉,增加能力者打架的感觉。当二人出拳力度非常大的时候,要对脸部进行模拟,呈现出脸颊和耳朵摆动的效果。104k/120fps/3D 很多人并不了解4k/120fps/3D真正意味着什么,最后咱们用倍数的概念解释一下。它将近普通电影数据的40倍(帧数的5倍,每帧像素的4倍及左右两眼),如果把它放到Weta内部审阅系统中,创建Quicktime所需要的时间是普通电影的40倍,把一段2分钟的镜头剪辑放到系统上大概需要6个小时以上。 李安导演并不是第一次使用采用这种革新性技术,2016年《比利林恩的中场战事》就率先用到了“120帧/4K/3D”,这次在《双子杀手》中进行延续,就是为了给大荧幕观众带来更加真实震撼的沉浸式体验。

1 ... 34 5 67 ...